MONDO PUTO

noreply@blogger.com (Sir Jack Torrance) — Sat, 17 Oct 2009 11:55:00 +0000

CARRIERS(INFECTADOS)

REVIEW

En plena eclosión de la gripe A vivimos una auténtica pandemia de infectados, zombis, contagiados y otras variantes que copan las pantallas como única alternativa original a los constantes remakes de películas de género. La década que agoniza se confirmará como la era del “Horror Vírico”, y conforme proliferan las muestras de este género, el escenario donde tiene lugar sus historias se muestra más post-apocalíptico. El monstruo de esta década, como en los ochenta, vuelve a ser el muerto viviente, pero en su versión de ser enfermo, como medio de transmisión de la peste. Infectados deja de lado al zombi para crear un monstruo de la misma familia: el portador. Su característica principal es que no presenta un peligro de forma directa, sino que es el medio, la vía que permite que la muerte se propague. Lo más peligroso de estos Infectados es su capacidad de crear sentimientos de compasión en la persona sana y su facilidad para contaminar a otros seres humanos. La película de los hermanos Pastor intenta explotar las implicaciones dramáticas del contagio a través de las relaciones personales de los supervivientes y sus reacciones ante la infección de un ser querido. El peligro crea ciertas reglas para sobrevivir, y el guión se centra en seguir como éstas se cumplen o se obvian según las situaciones. En realidad es una road movie poco accidentada que acaba resultando un viaje demasiado plano, ya que, pese a la eficacia de algunos actores, nunca logramos implicarnos con esos personajes tan lejanos y algo prefabricados. Esto, junto a una iluminación y empaque muy del gusto de Hollywood, la convierte en un extraño híbrido que no acaba de encontrar su foco.

Infectados es una versión seria de Cabin Fever (2002) o The Ruins (2008), cambiando sus emplazamientos por una autopista, y La carretera (2007) es una versión seria de esta misma película, que sugiere que los hermanos Pastor leyeron la novela de McCarthy, publicada en 2006, antes de comenzar el guión. Falta de originalidad aparte, la película está bien facturada, quizás el look americano enmascara aún más esa tendencia al drama que no ayuda a definir los sustos baratos como sombras que cruzan el plano a toda velocidad. Un viejo truco incomprensible si hablamos de unos portadores sin ánimos homicidas. Pequeñas incongruencias aparte, el resultado final es una película con buenas intenciones pero que resulta perjudicada por un enfoque un tanto equivocado al tema que no sabe definirse entre el drama y la pura película de género, cuyos personajes parecen salidos de una serie juvenil y no poseen la profundidad que los autores pretenden hacer parecer.

noreply@blogger.com (Sir Jack Torrance) — Sun, 20 Sep 2009 18:12:00 +0000

REVIEW

MALDITOS BASTARDOS

(INGLORIOUS BASTERDS,2009)No es necesario, a estas alturas, poner de relieve la sobresaturación referencial del cine de Tarantino. Las influencias y préstamos nunca han sido negados por el autor, hasta tal punto que sus películas pueden servir como un juego para cinéfilos avispados. Kill Bill (2004) reciclaba la columna vertebral de la obra maestra de Sergio Leone, Hasta que llegó su hora (C'era una volta il West,1968) para contar una historia de venganza como la de Harmónica, haciendo de la secuencia de la truncada boda de La Novia una imagen especular de los flashbacks del personaje de Charles Bronson, cuando su familia era asesinada por un diabólico Henry Fonda. En los minutos iniciales de Malditos Bastardos, Tarantino, directamente, cambia de emplazamiento geográfico del Oeste por una "Francia ocupada por los Nazis" y recompone las secuencias de Leone para dar punto de partida a otra historia de venganza como la de Kill Bill. Sin embargo, mientras ésta funcionaba como un collage de retales multigénero, la nueva película del director de Pulp Fiction (1994) rescata su dominio del tempo narrativo, su conocimiento de la estructura cinematográfica, el juego con el suspense y el uso del medio como arma de engaño al espectador, llevándolo exactamente a donde él quiere en todo momento. La estructura deliberadamente literaria de la película, dividida en cinco capítulos, es la descomposición por subtramas de un hecho ficticio dentro del marco histórico de la Segunda Guerra Mundial. Las aventuras de una judía en busca de venganza y un escuadrón de soldados que se dedican a sembrar el terror entre las filas del ejército nazi son la base para crear una fantasía pulp con espíritu de Comic Book, con la misma intención que una tira de Hazañas Bélicas, con un ojo puesto en Samuel Fuller y otro en el Aldrich de Doce del patíbulo (The Dirty Dozen, 1967). Una vuelta en toda regla a la visión frívola de la guerra, empleada como escenario para el entretenimiento, dilapidando los esfuerzos de esa cinematografía reflexiva y moralizante sobre el Holocausto que copa las pantallas en la última década. Lejos de ser una reivindicación de un tipo de cine, Tarantino utiliza como excusa una buena colección de personajes perfectamente construidos para proponer un análisis de la importancia del guión en el impacto emocional de la puesta en escena. No hay grandes secuencias de acción, ni batallas hiper-coreografiadas, todo se desarrolla a través del diálogo y de las brillantes interpretaciones de todo el elenco, sin excepción, que recita las líneas de guión en sus lenguas originales. Los idiomas, que como la ambientación de la época son factores determinantes en la propia trama y dan lugar a algunos de los momentos más hilarantes de la película. No sería ninguna tontería señalar Malditos Bastardos como la producción más equilibrada de su director ya que, si bien es evidente que se ha preocupado más por sacrificar metraje y ofrecer una obra compacta (el guión encaja todas las piezas con la precisión de un reloj suizo), nos encontramos ante una obra donde caben todas las obsesiones del autor. En su sello coexisten el diálogo y su cinefilia, que en esta ocasión no se queda en la mera cita. El suspense que hace sudar de Alfred Hitchcock, el humor paródico del Kubrick de Teléfono Rojo: Volamos hacia Moscú (Dr. Strangelove or: How I learned to stop worrying and love the bomb,1964), sin descuidar el aspecto visual con arrebatos estéticos deudores de Brian de Plama (Sossanna acicalándose antes del momento de su ansiada venganza al son de una canción de David Bowie). Un Tarantino más maduro que sin embargo no renuncia a su gamberro uso de la violencia, su fetichismo por los pies femeninos y el sarcasmo marca de la casa. Malditos Bastardos nunca deja un segundo de respiro en su dilatado minutaje, es una brillante recuperación de aquel cine bélico de mercadillo que se consumía en los 60, que no pretende nada más que entretener y presentar a unos personajes mitificados siempre hasta el extremo. Es una pena que en la perfecta arquitectura de los acontecimientos no haya un poco más de sitio para conocer mejor a los Bastardos y sus correrías, que merecerían una serie entera para ellos solos.

noreply@blogger.com (Sir Jack Torrance) — Sun, 06 Sep 2009 21:52:00 +0000

DOSSIER:
EL DIARIO DE LOS MUERTOS
(DIARY OF THE DEAD,2007)

Coincidiendo con el estreno en nuestro pais de la última entrega zombie de George A. Romero ,Mondo Puto os ofrece un análisis completo de la película que precede a "Survival of the dead" Semi continuación de la presente que se estrena en la Mostra de Venecia el 9 de septiembre en Sección oficial.

Un nuevo comienzo

La nueva película de George A. Romero es, una vez más, una visita a su particular universo de devoradores de carne al que regresó después de veinte años con la excelente La tierra de los muertos vivientes(Land of the Dead,2005).Este nuevo acercamiento, sin embargo, no continúa la línea temporal de su anterior película y constituye un apéndice de su propia saga que inició hace ya cuarenta años con La noche de los Muertos vivientes (Night of the living dead,1968). Desde entonces, el director viene explicando la evolución del fenómeno de la súbita resurrección de los muertos en sus diferentes etapas. Si en su ópera prima todo estallaba de golpe, en su sexta película, Zombie (dawn of the dead,1978) iba un paso más allá y presentaba cómo la sociedad conocida sufría un colapso que la transformaba para siempre. En El día de los Muertos (Day of the dead,1985) nos presenta un mundo postapocalíptico en el cual los cadáveres son ya mayoría y los supervivientes tratan de darle la vuelta al proceso. Finalmente, en su cuarto capítulo, la sociedad ha aceptado el problema e intentan volver a la normalidad que conocían sin adaptarse a la nueva situación. Con su nuevo trabajo, el director Neoyorquino vuelve a la primera noche donde todo comienza, aunque presenta los hechos en el mundo actual y no el de 1968, ya que la línea espacio temporal de su saga nunca transcurre en una era determinada, sino que cada episodio se adapta a la época en la que fue concebida, no dando tanta importancia al lugar o el año en sí, tanto como a la evolución del propio fenómeno.

El proyecto de Diary of the dead tiene origen ya a finales de los noventa, cuando Romero entró en negociaciones para crear una serie de televisión basada en su saga de muertos vivientes rodada al estilo de Blair Witch Proyect, es decir, grabada en cámara en mano y desde un punto de vista subjetivo. La idea no llegó a salir adelante por que las televisiones querían convertir la serie en un remedo de Dawson Crece con zombies. Ante esa situación, Romero decidió esperar. Tras su tibia experiencia con una multinacional, Romero y su productor pensaron en crear una serie de películas para el mercado de DVD que siguieran la estela de esa serie nunca realizada, pero los productores de Artfire decidieron que podía funcionar en cines. Así, Romero nos trae ahora el episodio piloto de lo que hubiera sido su serie para la televisión , convertido en una pequeña película independiente, que según su director "Es una historia paralela. Esa era la idea, volver a la primera noche (...) Es un nuevo comienzo. Una vuelta los orígenes, incluso para mí. Significa volver a las raices: filmación independiente, financiación independiente y muy bajo presupuesto. Me encanta trabajar de esta manera"(1)

Una nueva perspectiva

La nueva libertad creativa del Autor americano de 68 años denota una energía renovada que, si bien ya se dejó entrever en La tierra de los muertos vivientes, aquí gana enteros por tratarse de una obra estrictamente personal y muy, muy pequeña. Diary of the dead no trata de acoplarse a las formulas de recientes éxitos del cine de terror, sino que recuerda en muchos aspectos a obras el nuevo cine independiente americano. Así, Romero visita lugares muy comunes a autores como Gus Van Sant y otros merodeadores de Sundance. Quizás sea por el hecho de que este falso documental es una película dentro de una película ,obra de unos jóvenes estudiantes de cine con aspiraciones artísticas. El formato de diario grabado cámara en mano es la excusa del director para , en el fondo, ofrecer más de lo mismo. Romero regurgita su discurso de siempre con distintas caras, distintos colores y distinto relleno. El universo zombie del autor , pese a sus múltiples imitadores, saqueadores y plagiadores, sigue siendo completamente único en su especie y lleva una marca de distinción tan reconocible como inimitable .

Dentro de ese universo, Romero se dedica a escoger pequeños fragmentos, pequeñas cucharadas, para ofrecer en sus películas posibles aventuras dentro de lo que es un entramado infinito de historias. La de El diario de los muertos está contada desde una nueva perspectiva: la primera persona. Un recurso que hasta ahora aún no había sido demasiado explotado en el cine de horror pese al éxito de El proyecto de la bruja de Blair. En ésta película, sin embargo, no se acusan los achaques de producciones con el mismo punto de partida como BWP u Holocausto Caníbal(Caníbal Holocaust,1979) en las que el feísmo de las imágenes resultaba demasiado crudo al intentar lograr a toda costa la minimización de la distancia espectador-suceso. En la cinta que nos ocupa, la fotografía no es cristalina, pero sí bien definida , refinada. No se abusa de los movimientos bruscos de cámara, no hay casuales imágenes cámara en mano , y tampoco se priva de aplicar tácticas puramente cinematográficas en el formato, resultando un trabajo notablemente dirigido; aunque el film en si mismo no deja de ser la obra de aspirantes a directores, y como tal, su estilo es amateur, pero no tanto como para que la cámara maree en ningún momento. Lo menos atractivo de esta idea es que impone ciertas justificaciones innecesarias y predecibles sobre por qué los personajes graban todo el tiempo. Así mismo, da lugar a algunas situaciones inverosímiles que , si bien no molestan, si suponen pequeños baches en el devenir del largometraje. Estas matizaciones no suponen ningún problema serio, ya que la película no va en busca del ultrarrealismo, si no que se aprovecha de esta nueva forma de rodar para crear un híbrido de cine convencional(nunca pretende ser otra cosa que no sea una película tradicional)y algo más urgente y rabioso(el uso del punto de vista). Un punto de partida que resulta bastante original en estos tiempos, donde ya se ha visto de todo en el cine de terror, y más aún en el subgénero de muertos vivientes. También ofrece nuevos desafíos en su concepción, ya que la película esta compuesta de largos planos secuencia , un estilo muy poco habitual en el director, que suele utilizar una gran cantidad de planos cortos con los que pueda jugar en la mesa de edición. Así, la justificación formal abre también nuevas posibilidades para crear eventuales momentos de tensión, aunque éste nunca haya sido objetivo del autor, que explota múltiples aspectos de este soporte experimental sin centrase únicamente en la experiencia terrorífica(como hace por ejemplo la estupenda REC) .Por tanto, hay algunas oportunidades perdidas pero también otras ideas muy frescas en la utilización de este sistema de rodaje.

¿Falso documental?

El punto de vista es una forma de aplicar aire nuevo a la narrativa que ,pese a la dificultad de la tarea, resulta ser todo un ejercicio de estilo, que logra salir airoso del delicado objetivo de la funcionalidad. Pero lo más interesante de este nuevo concepto es la posibilidad real de que cualquiera pueda crear una película en tiempos revueltos. Hoy en día esto es posible gracias a que actualmente existen ordenadores autónomos con programas para editar, por lo que el documental que vemos no es la típica cinta encontrada en la calle, ni el material perdido de unos jóvenes devorados por los muertos vivientes. Es una película ensamblada y montada con varias fuentes videográficas y otro material audiovisual recogido de varios lugares: cámaras de seguridad, teléfonos móviles, noticias, videos bajados de internet ... permitiéndose el uso de la música para crear eventuales momentos de tensión. Todo está editado en forma de documental y se usan recursos muy comunes en esta disciplina : énfasis mediante el uso de imágenes en cámara lenta, repetición de planos... o el uso de la voz en off del personaje que ha elaborado la película. Éste, va narrando ciertos pasajes y destaca aspectos de su manera de ver las situaciones.

En ocasiones, esta narración resulta extremadamente útil y novedosa pues presenta las escenas dándoles otra dimensión. Quizás a algunos les resulte innecesaria pero , salvo momentos puntuales, es un aliciente más dentro de la propuesta. Sin embargo, esta posición deja vía libre al escepticismo a los que no entren en el juego que propone Romero. El uso de diverso material aplica un jugoso movimiento de la acción y ensancha la visión de los hechos que se relatan. Como en su noche de los muertos vivientes, la perspectiva global de un mundo colapsado por los muertos vivientes es creíble gracias al bombardeo informativo exterior sobre un pequeño grupo de gente. En este apartado, merece la pena destacar la textura que dan las ocasionales transmisiones radiofónicas que interpretan diversos amigos del director(2) y que merece la pena escuchar en versión original. Además, para mostrar los efectos de la debacle, se usan imágenes reales de informativos sobre el desastre del Huracán Katrina que se intercalan con otros rodados por el director, combinándose de tal manera, que en ocasiones no se sabe que imágenes provienen de fuentes reales y cuales no.

Los peligros de la información

Una vez asimilado el modo de contar el relato, la película es sólamente otra historia más de cómo la gente reacciona ante los desastres, o ante los hechos que no alcanzan a comprender. La segunda capa de la cebolla es una pequeña reflexión de Romero sobre las nuevas tecnologías y la nueva sociedad de la información. El marco conceptual del film da vueltas sobre el hecho de que cada persona del mundo es ahora un ojo para los demás en el momento que decide grabar lo que pasa a su alrededor con su aparato celular. "En cierto sentido es una nueva cultura del narcisismo, ahora todo el mundo piensa que no solo tiene el derecho, sino el privilegio y el deber de comentarlo todo .Eso hace que por ejemplo algún lunático de Kansas City cuelgue sus sandeces en la red y tenga 100.000 personas que lo sigan. La opinión ya no se reduce a la esfera íntima, sino que se proyecta a escala global. Todo nos lleva, de nuevo, a una suerte de estructura tribal"(3) Lo que atañe directamente al núcleo de la película, ya que lo que estamos viendo es la visión particular de uno de los personajes: el documental llamado The Death of the death(4) que es solamente otra versión más de la verdad, pero no precisamente la correcta. Lo que fascina a Romero del fenómeno, es lo rápido que el punto de vista de alguien normal puede salir a la luz gracias a herramientas al alcance de todos como el Youtube y Myspace, y de cómo los medios de comunicación de toda la vida, con los que satirizaba en La noche de los muertos vivientes y Zombie( Dawn of the Dead, 1978), han dejado de tener el poder de manejar la opinión, ya que ahora, existen millones de voces que pueden dar a conocer otras realidades diferentes a la que puede dar un hombre en traje y corbata por la televisión.

Romero no cree en que exista una verdad absoluta, ni que sean las instituciones las únicas capaces de enmascarar un hecho objetivo: " ¿Qué es lo que hace válida una opinión? es fácil mentir y que mucha gente te siga. Normalmente en la red uno predica a los conversos. No creo que la mayoría este capacitada para manejar tanta información. El público quiere saber si algo es blanco o negro, no suelen ser receptiva a los matices y, por eso, tiende a seguir a cualquiera. La CNN lo fomenta :si hay una inundación, invita a los espectadores a que salgan con sus cámaras domésticas como reporteros. La gente se obsesiona y quiere formar parte de ello. No es malo, pero si puede ser peligroso"(5) Su película es también una mirada al propio género documental, muy de moda tras las películas de Michael Moore, y su poder de manipular y convencer. Para Romero, la opinión no es predicar con la razón en la mano, si no lanzar unos hechos a la piscina para que hablen por si solos. A pesar de desconfiar del nuevo poder del pueblo en la red, el autor sigue observando como los medios más poderosos permanecen tejiendo una realidad más apropiada para los que tienen el poder, que cobra más sentido en la Norteamérica del Katrina, donde las noticias hacían creer a los estadounidenses que nada grave había pasado mientras el resto del mundo recibía toda las imágenes de la debacle(6). Imágenes dantescas de la destrucción de un estado que no recibía ayuda de su presidente, quien solo unos días antes mandaba más tropas a la guerra de Irak.

El desastre de Nueva Orleans animó a Romero a utilizar imágenes poco conocidas de esos días, y así ,decorar su visión de los efectos de un gran desastre en el modelo de civilización en el que vivimos. Pero el poder de las cámaras también interesa a Romero a nivel psicológico, en concreto en lo que concierne al que captura las imágenes: " Mis films provienen de una idea muy simple. En este film la idea es si la violencia crea los medios o los medios crean la violencia"(7) dentro de este concepto genérico, Romero presenta varias líneas de discusión sin aportar ninguna respuesta. El fenómeno que acarrea el observar una realidad y abstraerse de lo que sucede al otro lado de la lente. Preguntas como ¿cómo estamos obteniendo las noticias?¿cuál es la responsabilidad de la persona con la cámara? ¿es moralmente corrupto observar? o te has de involucrar en ello. El rubberneck.(8) fenómeno cada vez más común en el mundo contemporáneo, consiste en el muy común comportamiento de la sociedad reciente que es capaz de ver y no actuar, de grabar y no hacer nada; como el fenómeno del Bullying en el que se pega a chicos indefensos en los colegios mientras sus compañeros se dedican a grabar los linchamientos sin hacer nada para evitarlo...

El monstruo es el hombre

El tercer ingrediente de la receta es ya mucho más común en el resto de sus películas: La falta de comunicación entre los supervivientes a la catástrofe. El eterno dilema de la falta de unión ante un problema de sencilla solución(9).La confusión inicial y la incapacidad de organizarse o cooperar hace que el problema se haga más grande antes de contenerlo. Esto es en parte debido a la ignorancia ante el fenómeno (todo el mundo tarda en enterarse de que la única forma de matarlos es una bala en la cabeza, un mordisco te transforma etc..). También, las dificultades que encuentra el hombre al enfrentarse a un elemento desconocido. "Para mí, los zombies representan como un huracán o un desastre natural. Las películas son sobre los humanos y lo que les pasa cuando cambia el mundo, que les sucede a estos personajes individuales y como se ajustan a este cambio a su alrededor. Por eso es muy fácil para mí utilizar la misma historia una y otra vez y hacer algunas observaciones. Todo el mundo quiere descubrir que representan los zombies. Para mi, sólo representan una especie de cambio revolucionario y los humanos no pueden adaptarse a él. Así, la mayoría de la maldad proviene del lado de los hombres, los muertos son bastante predecibles, son honestos, no mienten"(10)

El caos se desencadena por actuaciones incorrectas: La empatía con los seres queridos aún después de muertos impide la destrucción de las criaturas, incluso algunos se niegan a terminar con sus familiares y prefieren esconder los cadáveres en sus casas. Otros ,sencillamente aprovechan la cobertura para entregarse al pillaje. Los encargados de dar protección a la población se transforman de la noche a la mañana en los que tienen el poder de someterlos. La guardia nacional es mencionada en dos ocasiones en el film. En la primera , un grupo de gente de color(11) forma una guerrilla de saqueo (inspirada de nuevo en los hechos del Katrina) que resulta estar dirigida por un miembro de la guardia Nacional(irónicamente, ya que fue la Guardia nacional la que tardó tres días en llevar ayuda a dicho desastre).La segunda aparición de un grupo de militares es más elocuente : Hombres armados que se dedican a robar a personas indefensas. Su aparición constituye una de las escenas más aterradoras de todo el filme, en la que no interviene zombie alguno, solo esa guardia nacional que, tras un angustioso lapso sin imágenes de la cámara, roba todo a los desafortunados protagonistas.

Una cinta de entretenimiento

Las ideas con las que Romero tiende a salpicar sus films suelen ser pequeños subtextos adheridos a una trama bien construida , en esta ocasión en forma de Road movie, en la que los protagonistas (por primera vez unos pimpollos en la filmografía de Romero), tratan de llegar a sus casas sin saber realmente que hacer cuando todo el mundo se ha vuelto loco. El naturalismo implícito de la propuesta no hace demasiado hincapié en el desarrollo de personajes y Romero aplica de nuevo su economía narrativa dejando que los jóvenes cineastas hablen con sus actos y coloreen su personalidad con pequeñas frases, suficientemente elocuentes como para dar una idea del carácter de cada uno. Aunque no falten estereotipos en el grupo, el núcleo principal son héroes(o antihéroes) típicamente Romerianos, tan cansados y faltos de alegría que en ningún momento dejan lugar a la duda de que estamos ante un producto que refuerza los parámetros reconocibles de la obra del autor. Su voz es, con cada película, más segura de si misma y coherente.

Un aspecto a destacar es la vuelta a la mirada fría hacia sus personajes. Romero no se muestra poco crítico respecto a ellos, y además supone una descripción poco benevolente de la juventud y los estudiantes de cine. Romero infunde generosas dosis de ácida autocrítica hacia sus inicios como joven director independiente e incluso hacia su propio estatus de director de horror(con referencias autoparódicas a sus ya clásicos comentarios sociales). Hay un retrato nada amable del cineasta como personaje ególatra ejemplificada gracias el sutil carácter metafílmico de la propuesta ,que convierte al director(que casi nunca vemos)en el protagonista principal. La cámara es un personaje más en sentido más literal de su significado. La obsesión de Jason, el joven director, le va transformándo en un vampiro de la imagen, cautivándole de tal manera que llega a anteponer la filmación a la cooperación, cada vez más cegado por su convicción. Aunque su cámara no ignora cómo su novia va distanciándose de él, cada vez más atraída hacia su amigo Tony. El, no lo ve como algo que le este pasando a él, si no algo que sucede, algo que debe ser recogido en celuloide. La figura de Jason parece inspirada en la película de Michael Powell (12)El fotógrafo del pánico(The peeping Tom,1960) cuyo conflicto moral es ,en cierto modo, muy similar al que plantea el film de Romero.

Mientras, los demás personajes intentan sobrevivir en un mundo en el que "dios ha cambiado las normas" como dice un personaje en la película, no sin acabar contagiados por el mismo virus que afecta a Jason. El personaje de Debra, la narradora que nos acompaña durante todo el film, sufre una progresiva transformación a lo largo del film. Al principio molesta por la actitud de Jason, acabará adoptando una actitud similar a la de su novio en el final de la película. Diary of the dead es una cinta de Aventuras con trasfondo de ciencia ficción y terror. Un viaje en el que seguimos a los protagonistas en su furgoneta y descubrimos junto a ellos todo lo que les va pasando. Seguiremos con ellos lo que van descubriendo en un mundo en el que las reglas de las películas de Romero no son conocidas, por lo que habrán de aprenderlas conforme van encontrando esos obstáculos, sufriendo las consecuencias de no saber como reaccionar ante los diferentes peligros a los que se ven envueltos. Una estructura que funciona como un catalizador, que hace que el minutaje de la cinta se deshaga a una velocidad asombrosa , dejando con muchas ganas de más. Muy entretenida ,nadie podrá acusar a Romero de no haber creado un divertimento vibrante y eficaz. Y es que uno a de los aspectos del film que más sorprenden es la cantidad de momentos de humor y autoparodia que hay en el film. El humor surge principalmente de algunas situaciones y personajes que se van encontrando y otras de los demenciales gags gore(algunos poco convincentes por el uso de CGI). Pese al rodaje subjetivo y el aspecto más o menos realista, Romero no renuncia a pasarlo bien y adopta un espíritu de Comicbook, muy cercano al que a veces utilizó en Zombie(Dawn of the dead,1078 ,) lo que le permite crear situaciones imposibles, muy divertidas, que solo encajan en el particular estilo de sus películas. Muchas líneas de diálogo son inconfundibles y esconden un finísimo humor negro que evidencia con elegancia el sarcasmo de su autor. En algunos momentos dibuja una ácida caricatura de sus personajes, como el de ese Profesor alcohólico al que nunca puedes terminar de tomar en serio. Su papel como figura con autoridad termina en el mismo momento en el que el mundo parece sufrir una hecatombe y su papel se limita a observar como sus alumnos muestran más autosuficiencia y seguridad que el mismo. Sin embargo, el humor es tan importante como el drama. La película tiene un trasfondo amargo ,y su nihilista final, muy acorde al resto de la saga, no deja un buen sabor de boca. La falta de confianza el género humano hace que Romero incluso se cuestione si es conveniente que éste siga existiendo. Un pesimismo al que retorna con un final muy similar al de La Noche de los muertos vivientes(Night of the living dead,1990) de Tom Savini, que él mismo escribió y en el que destapó ideas que recupera en su nueva obra.El destino de los personajes principales no es ni mucho menos alentador y pese al espíritu cómico de gran parte del film, en su tramo final se respira una atmósfera de decadencia y tristeza, coronada en tragedia , que deja un amargo poso de incertidumbre . Además, durante el desarrollo del film, muchas de las tomas de cámara poseen una pincelada del tosco espíritu lírico de un director de serie B que se complementan con algunas reflexiones de los personajes, salpicadas con un halo poético poco común en el cine de género . En algunos momentos reutiliza frases emblemáticas del Romeruniverso para darles otra nueva dimensión. Pero ante todo, Diary of the dead es una película personal, que habla por y sobre Romero, una especie de pantalla en la que el director puede proyectar todas sus filias y fobias. Autocrítica y autoparódica, su nueva cinta esconde el pequeño discurso de un hombre viejo, cansado de la vida, que ve como el mundo no ha aprendido nada desde que hace 40 años nos mostrara su primera alegoría. Cada uno de los personajes representa cierta parte de Romero, y utiliza cada una de sus líneas de diálogo para lanzar dardos contra todo lo que le molesta , desde la inflexibilidad de los grandes estudios hasta su propia condición de cineasta enclavado en el género de terror. Aprovecha cualquier momento para añadir pequeñas referencias culturales como ya hiciera en Land of the Dead. En esta ocasión, un personaje encuentra una edición del libro de Dickens Historia de dos ciudades, una pista de Romero sobre sus referencias en la saga de los muertos. Además, supone una pequeña reivindicación de su propio subgénero, ya que si bien ,el mismo ha participado en su resurrección, ha visto como todas las películas que partían del punto cero del fenómeno han desaprovechado los aspectos que más le interesan y que convierten sus películas sobre muertos en la visión más interesante del género, pese a que siempre llegue con un poco de retraso. Por eso, Diary of the dead no cuenta realmente nada especialmente nuevo en la obra del director, pero supone una forma de acercarse a los bastiones fundamentales de su obra para los jóvenes que no vieron en su día La noche de los muertos vivientes ni Zombie o El día de los muertos(Day of the dead,1985).
Su nueva película es una nueva franquicia a modo de spin off que permitirá conocer el particular mundo de muertos vivientes a los que no están familiarizados con ninguna de sus películas. Así, Romero expone muchos de sus momentos favoritos de la saga de nuevo a modo de guiño a sus fans y como forma de reimaginar sus obsesiones a través del entretenimiento de un pequeña película de género, un viaje de 95 minutos que dejan la miel en los labios. Una película que cuenta los mismo de siempre de forma diferente, con un sorprendente tono de comedia negra, con algunas irregularidades que no impiden que este sea un film más que notable en la cinematografía fantástica actual.
(1)Preguntas tras la proyección de su película en el festival de Sitges.6-10-2007
(2)Stephen King , Simon Pegg, Wes Craven, Guillermo del Toro,Quentin Tarantino y el propio Romero.
(3)El Pais(7-10-2007)
(4)The Death of the death es un título que parece gustarle mucho al director que usó en su inconclusa novela sobre el final de la plaga de muertos vivientes publicada hace años en su página web y también en su miniserie vagamente inspirada en su universo para la colección Toe Tags.
(5) El Pais(7-10-2007)
(6)Muchos americanos no se enteraron de que toda la población de Nueva Orleans hacinada y recluida en un gran estadio de fútbol estaba completamente indefensa ante los asesinatos y violaciones que se sucedían por las noches en el estadio. Tampoco de los saqueos ni de las batallas que allí tuvieron lugar.
(7) Preguntas tras la proyección de su película en el festival de Sitges.6-10-2007
(8)Fenómeno registrado en la segunda guerra mundial donde los fotógrafos y documentalistas aseguraban que no parecía real mientras lo filmaban ,así se sentían menos angustiados.
(9)En las películas de muertos vivientes de Romero no es ni mucho menos un monstruo difícil de hacer frente.Son lentos y sencillos de matar.
(10) Preguntas tras la proyección de su película en el festival de Sitges.6-10-2007
(11)Es interesante seguir la trayectoria de los personajes de esta raza en el transcurso de la saga. En esta ocasión,son una banda de saqueadores con pocos escrúpulos, pero aún así conservan cierto punto de nobleza que los "soldados blancos"no llegan a mostrar.
(12)Uno de los directores predilectos de George A.Romero cuya película Los cuentos de Hoffman(Tales of Hoffman,195)permanece como una de sus favoritas.

* El particular estilo de la película exigía muchos ensayos previos a la toma final y hacía que el peso recayera sobre los actores, los cuales debían aprenderse varias líneas de guión para una misma toma. Cuando alguno de ellos se equivocaba, hacía que todos los demás se enfadaran, por lo tanto, la presión era múltiple. En ocasiones, los actores debían rodar ellos mismos parte del film por que no había otra manera de que no se viera que eran ellos. Así mismo la ejecución de varios efectos especiales tenía que realizarse en medio de una toma más larga y no en pequeños cortes, lo que añadía más dificultades.* El vestido del personaje interpretado por Amy Lalonde, la chica rubia que escapa de la momia es el mismo que se utilizó en la tercera parte de Ginger Snaps ya que esta cinta estaba producida por la misma compañía.* Romero, además de hacer algunas de las voces radiofónicas, tiene un pequeño cameo como oficial militar en una rueda de prensa a los medios.

noreply@blogger.com (Sir Jack Torrance) — Tue, 09 Jun 2009 06:36:00 +0000

TERMINATOR SALVATION: EL FUTURO COMIENZA

(REVIEW)

El imaginario de la saga Terminator siempre se ha basado en sólidos parámetros de ciencia ficción con un ojo puesto en un futuro post-apocalíptico en el que el ser humano ha pasado de controlar su tecnología a ser víctima de los resultados del uso erróneo de su propio poder. No es difícil elaborar una fácil relación entre la inconsciencia e ingenuidad del hombre al diseñar armas de gran poder de destrucción y la creación del proyecto Skynet en esta saga de películas. Los tres primeros episodios mostraban trazas de un futuro desolador en el que los pocos humanos que quedaban luchaban contra el poder implacable de las máquinas. Las tramas se basaban en los viajes en el tiempo y en el presente pre-holocausto, dejando que la historia se basara en cómo se trataba de alterar o no alterar el curso de unos hechos escritos en el destino.

Terminator: Salvation comienza una nueva historia en la que muestra en plenitud el negro futuro que se presagiaba en las otras películas. Comenzando sobre una hoja en blanco y partiendo casi de cero, materializa de forma espectacular un universo del que sólo habíamos visto pequeños fragmentos. Si bien anteriormente la batalla era mostrada como un mural de desesperanza sin un final claro, esta nueva entrega se reviste de un tono menos azabache y permite una pequeña vía de escape, vislumbrándose luces de solución para el género humano.
Lejos de ser una película redonda (las obras de James Cameron no eran más que contundentes películas de acción con un buen trasfondo de ciencia ficción), esta nueva aportación es una más que digna prolongación de la mitología Terminator, una visión tan pulp e improbable de la batalla entre Skynet y la resistencia como la mostrada en las tres anteriores películas sobre este universo. Lo sorprendente de Salvation es su aplastante descripción del futuro apuntado por Cameron, una de las más espectaculares visiones de un paisaje apocalíptico vistos en la historia del fantástico. No solo la fotografía es más que espectacular, lo es la puesta en escena, la planificación de secuencias y la integración inteligente de los efectos especiales en la composición de planos. La realización es muy potente y utiliza aspectos del cine bélico para construir escenas de acción que sorprenden y funcionan durante todo el metraje. La historia que se quiere mostrar es un capítulo en medio de una historia que ya ha comenzado. Nos encontramos insertos en un conflicto y la función de la película es tan sólo describir una situación. Una presentación que tiene clara su vocación de prólogo, que triunfa en su condición de “capitulo piloto”, haciendo que el espectador se quede con ganas de más. La historia es muy sencilla y sorprendentemente está presentada bajo la óptica de un personaje que no es John Connor, dando una visión menos obvia de un personaje seco y cansado, abocado a ir cargando con el peso de la saga en el resto de las películas del nuevo tríptico. El guión no es demasiado sorprendente y el transcurso de la película se apoya en las numerosas escenas de acción, pero funciona como un todo compacto al emplear muchas de estas escenas en crear una visión de la geografía y clima donde transcurren los acontecimientos. Algo poco común en un blockbuster de esas características que no olvida su función lúdica y resulta entretenida, vibrante y fascinante a partes iguales.

noreply@blogger.com (Sir Jack Torrance) — Fri, 20 Mar 2009 17:45:00 +0000

A CIEGAS
(REVIEW)

Ensayo sobre la ceguera (Ensaio sobre a cegueira,1995) de José Saramago presentaba, en forma de cristalina metáfora, cómo el ser humano es capaz de hacer de su visión de la realidad una manera de catalizar el sufrimiento o la felicidad, en otras palabras, explicar la capacidad de ver entendida como una liberación o una cárcel, del papel de cada uno en su propio camino o en el de los demás. Para ello se sirve de una historia en forma de cuento para adultos con moraleja que, dada su tratamiento cercano a una ficción irreal, se adscribe en el apartado de literatura fantástica. Los paralelismos con la épica El día de los Trífidos(The Day of the Triffids,1951) no son pocos. Quizás John Wydham nunca se moverá en la misma liga que José Saramago, pero el fondo de su novela, sobre una humanidad que deambula por un mundo devastado por plantas reptantes del espacio exterior, trata muchos temas paralelos con la obra del Brasileño. Y lo hace describiendo la misma sociedad de ciego en la que, tras un desastre mundial, los supervivientes deben esquivar los peligros del peor de los monstruos, el hombre. Fernando Meirelles afronta la adaptación de la obra desde el respeto escrupuloso, enfermizamente fiel. El director parece haber asimilado a la perfección el mensaje de su compatriota (lo cual no es difícil, dada la reiteración recalcitrante sobre su condición de parábola de Ensayo sobre la ceguera) y no trata de evitar atacar el concepto desde una perspectiva lateral, sino plasmar el original, ya digerido, al medio cinematográfico actual. El director de la plomiza Ciudad de Dios(Cidade de Deus,2003)afronta la visión de una sociedad colapsada por la ceguera colectiva tomando nota del punto de vista del Cuarón de Hijos de los Hombres (Children of Men,2006) y otros acercamientos realistas a la ciencia ficción recientes como Código 46 (Code 46,2003) o 28 días después(28 Days Later, 2002). La cámara de Meirelles sigue la estela Realista del resto de su cine y añade nuevos filtros y texturas para, según el autor, ponernos en los ojos de un ciego. Recursos de objetivo, quemados de imagen y constantes empañamientos de atmósfera hasta sumergir la cámara en la nube lechosa en la que se ven envueltos los protagonistas. La película empieza con brío y concluye con soltura los primeros pasajes del libro. Juegos de montaje y elipsis muy bien colocadas hacen sencilla la entrada al núcleo de la historia. Mientras tanto, queda constancia de la habilidad de Meirelles para convertir planos aparentemente sencillos en composiciones de gran poder visual. Sin embargo durante el desarrollo del segundo acto de la película se produce una descompensación en la narración del relato y los hechos pierden interés al distanciarse del espectador. De vez en cuando, una escena con gran fuerza recupera el ritmo momentáneamente pero no logra que el espectador recupere la atención a lo que sucede en pantalla. Es de agradecer la singularidad de la mirada de Meirelles hacia el lado fantástico de la historia, pero en ocasiones determinadas elecciones resultan chirriantes con el tono de las imágenes. La selección musical resulta inapropiada e insertos como la voz en off de uno de los personajes, en momentos ciertamente arbitrarios, no acaban de cuajar con el tono semi documental del conjunto.
En realidad es una película con factura impecable, y alguna actuación más que notable como la de Julianne Moore, con momentos desgarradores, transmite a la perfección el espíritu de la novela, calcando algunos pasajes clave. Pero como en otras obras del director no logra fluidez en la narrativa, y si bien no es torpe, resulta desapasionada haciendo que A ciegas no sea la gran película que hubiera podido ser con un poco más de garra .

noreply@blogger.com (Sir Jack Torrance) — Fri, 06 Mar 2009 11:58:00 +0000

WATCHMEN
(REVIEW)
Probablemente gracias al éxito de la interesante adaptación del cómic Sin City, Zack Snyder , director de la impactante Amanecer de los muertos(Dawn Of The Dead,2004), se ha especializado en transformar viñetas de otras novelas gráficas de culto como 300 o la que nos ocupa. Tras múltiples intentonas de llevar al cine la obra cumbre del guionista Alan Moore, finalmente las páginas del libro se han materializado en una fallida epopeya de casi tres horas que traslada escrupulosamente el material original al celuloide, con tanta fidelidad que su formato cinematográfico no logra solucionar los problemas narrativos de una novela gráfica innecesariamente densa, tan vacía como sobrevalorada.

La concepción popular de que el medio del Cómic está asociado con los Superhéroes hace que haya una impresión generalizada de que Watchmen sea considerada la mejor novela gráfica que jamás se haya creado. Su importancia es indudable, pero está lejos de ser una obra compacta o brillante. Si que es verdad que la acción transcurre en un escenario distópico que radiografía con éxito la sociedad paranoica de Los Estados Unidos de la era Reagan (A través de un Nixon reelegido), cuestionando si las personas encargadas de proteger a la Norteamérica de los ochenta merecen la confianza de los ciudadanos. Los últimos coletazos de la guerra fría creaban una disposición para que los que manejaban el país mostraran su fuerza, tranquilizando a una población acomodada y consumista que temía perder su estatus frente a una amenaza fantasma. Pero ésta lectura no deja de ser bastante obvia como para describir esta obra de superhéroes retirados como una obra maestra. Su autoconsciencia, su narrativa errática, sus pretenciosos diálogos y simbolismos, y su pueril acercamiento a los personajes son sólo muestras de las muchas limitaciones de Alan Moore como guionista. Watchmen , la película, es una adaptación que reproduce prácticamente viñeta por viñeta la historia del grupo retirado de superhéroes. La intención de reproducir este universo al milímetro introduce una puesta en escena al ralentí, que abusa del zoom inverso, para poder contemplar cada estampa en su esplendor, deleitándose en los detalles de un plano durante algunos frames más de lo que necesita el ojo humano. Una técnica que se desarrolla a la perfección en los impresionantes créditos iniciales pero que a la media hora de película resulta ser un lastre que el director no es capaz de abandonar ni para presentar los diálogos de los personajes. Las actuaciones acompañan al tono solemne de la película, resultando demasiado impostadas, teatrales, prefabricadas y faltas de vida. Como consecuencia, en ningún momento del extenso metraje se llega a establecer una relación empática entre espectador y personajes; haciendo que esa falta de implicación se traduzca en un desinterés progresivo por la trama. Esta falta de espontaneidad, junto al gratuito espectáculo visual, anulan cualquier atisbo de emoción y hacen que su pretendido estudio del superhéroe como ser humano con problemas, nunca logre el trasfondo melancólico que demanda el relato.
La descompensada trama del original ha sido condensada en un artefacto que trata de recuperar sus capítulos más significativos creando una red de historias y personajes desequilibrada, cuyo concepto central queda diluido entre secuencias desiguales de duraciones arbitrarias, postalitas desplegables e indeterminación formal. El desarrollo demanda focalizar la acción para que el espectador la pueda seguir sin sorprenderse cuando se retoma una línea argumental que fue abandonada para desarrollar las muchísimas subtramas dispersas que nunca encuentran conclusión. Un entramado plagado de puntos de fuga que hacen que la película se acerque al sinsentido en más de una ocasión, aunque se libre del naufragio gracias al espectáculo visual que propone. Es imposible permanecer indiferente ante el ambicioso y trabajado despliegue creativo, pero lamentablemente eso no es suficiente para crear una buena película o no caer en el ridículo en más de una ocasión. Esta claro que Watchmen no es una película de superhéroes cualquiera, pero se siente tan especial y se mira tanto a sí misma que hacen que realmente uno se pregunte si realmente le interesa ver esta historia de superhéroes que, al fin y al cabo ,por mucha violencia, sexo, o reflexiones que quieran añadirle ,no deja de ser eso: otra de superhéroes

noreply@blogger.com (Sir Jack Torrance) — Wed, 25 Feb 2009 16:52:00 +0000

noreply@blogger.com (Sir Jack Torrance) — Thu, 06 Nov 2008 12:10:00 +0000

NUEVA PELI DE ROMERO!!

Los fans del buen cine zombie y el fantástico en general están de suerte:

La nueva película de Romero,cuyo nombre aún se desconoce,está a punto de finalizar su rodaje.Por lo que parece,el look sigue la estela comenzada por diary,estableciéndose en el mismo universo,tanto,que incluso podría tener un pequeño nexo de unión con ésta (cosa que nunca sucede en sus secuelas)En el personaje de Nicholas “nicotine" crocket(Alan Van Sprang) ,el soldado de la guardia nacional renegado que roba a los protas de Diary(y Brubaker en LAND).Mientras que Diary transcurre durante las primeras 48 horas de la plaga de muertos vivientes,correspondiéndose con “la noche de los muertos vivientes” La nueva película tendrá correspondencia con DAWN OF THE DEAD en el grado de progreso de la infección.Esta nueva película confirma la intención de Romero de crear una serie de películas directas para DVD a modo de apédice a su “saga oficial”.Aunque dada la edad del director newyorkino y la idea central de la obra es probable que sea la última dedicada a sus populares muertos vivientes. En un principio, la película estuvo planeada como continuación directa de Diary,con los mismos personajes que acababan encerrados en la mansión en la conclusión de ésta.Incluso se habló de que la película siguiera con el mismo estilo de primera persona,que ya se apuntaba en la conclusión de Diary.Sin embargo, la tradición de la saga es respetada y la historia contada no tiene nada que ver con los anteriores personajes aunque sí desarrollará temas que diary apuntaba.Las estructuras tribales,fenómeno de la condición humana que Internet ha hecho resurgir con virulencia,era uno de los mensajes que Romero manejaba en DOTD.En la nueva película endrá un protagonismo especial ya que la trama se desarrolla en una isla del este de norteamérica con población rural dividida en dos facciones enfrentadas.Los habitantes de la Isla tratan en un intento desesperado, de no exterminar a los familiares cercanos que han fallecido(uno de los paralelismos con al original DAWN y que es uno de los factores clave de la propagación de los muertos :la incapacidad de acabar con el ser querido) Un habitante se rebela e intenta matar a todos los muertos que peude,siendo acusado por los habitantes de haber acabado con amigos y vecinos y siendo expulsado de la isla. En su destierro se encuentra con un grupo de supervivientes que llegan a la isla en busca de un oasis donde reestablecer una nueva vida.Estos se encuentran con que los habitantes locales están intentando establecer una vida “normal” junto a sus familiares muertos.Creandose una situación tipo Los Hatfields y MacCoys(dos familias enfrentadas en el oeste americano)Por un lado los que defienden a sus muertos y por otra los que lo quieren exterminar.Creandose una revuelta por la superviviencia y poniendo sobre la mesa una cuestión levemente sugerida en LAND OF THE DEAD ¿pueden los humanos y los muertos vivir en paz? Romero ha comentado varias veces que no encuentra la manera para terminar la saga y que el final llevaría a un equilibrio entre las dos facciones :los zombies y los seres humanos.Al parecer,la nueva película estará llena de acción y está tratada como si fuera un western,nada extraño en la saga por otra parte,ya que land no era sino un wenstern postapocalíptico a la John Carpenter.
Con esto,parece ser que la última obra del maestroestá cargada de sus temas habituales.Producida por Peter Grundwald y Artfire, el rodaje de la película está a punto de finalizar en Toronto,con el mismo equipo de sus dos ultmas películas.Enesta ocasión los efectos de maquillaje estarán facturados por el equipo de la saga SAW supervisados por por Greg Nicotero.

noreply@blogger.com (Sir Jack Torrance) — Mon, 29 Sep 2008 15:03:00 +0000

LA CASA DE LAS VENTANAS QUE RÍEN

(REVIEW)

La contribución más significativa de Pupi Avati al cine de género europeo es una pieza única en su especie, inclasificable en las corrientes del horror proveniente de Italia, llegándose a calificar por algunos autores como giallo, pese a tener pocos elementos identificativos que la pudieran incluir en dicha corriente. Sin entrar en consideraciones relativas a su condición de thriller, cinta de horror o costumbrista, lo cierto es que la aportación del director italiano es una de las incorporaciones más interesantes al terror europeo de la década de los setenta. La perspectiva de Avati es más física, más terrenal, que la de muchos de sus colegas. La fascinación por el universo rural y sus fantasmas y leyendas son la fuente de inspiración confesa del director al plantear su proyecto. Ya encontrábamos acercamientos a este medio en otras obras de autores adscritos al horror como Lucio Fulci, que en su Angustia de silencio (Non si sevicia un paperino, 1972) también retrataba una parte de la Italia más profunda y supersticiosa con un peculiar acercamiento al giallo que precede en forma y fondo a La casa dalle finestre che ridono. Un Fulci aquél relativamente más contenido de lo habitual, y que tampoco ocultaba un cierto anticlericalismo que no es difícil encontrar en la película de Avati.
El germen de la obra es una vieja leyenda de un pequeño pueblo italiano que inspiró al director para dar forma a su historia de intriga, tratando de impregnar de esa sabiduría del boca a boca, de viejas tradiciones desconocidas, a una trama adaptada a los modos del cine de suspense y terror. La historia de un pintor maldito del que parece estar prohibido hablar en su pueblo va siendo descubierta por el encargado de restaurar un fresco del artista. El estilo de Pupi Avati resulta más elegante y contenido que la mayoría de sus coetáneos italianos, y la forma de captar las imágenes huye del barroquismo de la fotografía transmitida por Bava para adaptarse a un encuadre más realista y crudo. Sin embargo, conforme la trama va haciéndose más opresiva, la luz de la película va variando y tomando distintos carices. Muy suavemente, el director mueve todas las piezas de la producción para que lentamente las imágenes se adapten a la pesadilla en la que se va adentrando el protagonista. Si bien el descubrimiento de la verdad transcurre de una manera sutil pero segura, esto es tan encomiable como en ocasiones tedioso, ya que la poca permeabilidad con la que fluyen los acontecimientos hace que el ritmo sea en ocasiones excesivamente pausado.
Durante la película el protagonista va contactando con diversos personajes del pueblo que conforman un mural alrededor del hilo conductor de la narración sin llegar a estar necesariamente implicados en ella. La finalidad de mostrar a los habitantes del pueblo y su poco cristalina posición con respecto al protagonista, es crear lentamente una atmósfera de aislamiento en torno al restaurador que no encuentra su pleno sentido hasta los mismos minutos finales en los que se nos muestran los terribles secretos con los que todo el pueblo convive sin inmutarse. Hay algunas licencias hacia el fantástico que no quedan resueltas y otras insinuadas, pero donde Avati procura crear miedo es en los detalles siniestros que va dejando durante el metraje: el poder sugestivo de las pinturas de la agonía, las sombras en las ventanas, las voces que intentan disuadir al joven o la propia grabación del pintor maldito..., todas acompañadas por una misma partitura inquietante formada por pocas notas que repiquetean de forma constante. La casa dalle finestre che ridono es una obra justamente reivindicada que muestra los buenos resultados del director Pupi Avati en sus escasos acercamientos al horror. Su estilo controlado y sereno no trata de esconder la sordidez de la historia, que explota de forma salvaje en sus angustiosos momentos finales

noreply@blogger.com (Sir Jack Torrance) — Tue, 09 Sep 2008 15:11:00 +0000

HELLBOY II:

EL EJÉRCITO DORADO

(REVIEW)

La segunda adaptación al cine de el famoso comic de Mike Mignola Hellboy sigue al milímetro la estela impresa en la primera entrega para ajustarse al manual de las segundas partes del cine de superhéroes más reciente. Más presupuesto, más acción, más espectáculo...por el mismo precio de una entrada de cine. Sin entrar a considerar los méritos o carencias del primer Hellboy, su siguiente capítulo es esclavo de las decisiones tomadas por su director al materializar el barroco universo de Mignola en fotogramas en su primer viaje. Así, el visionado de El ejército dorado no depara ninguna sorpresa de calado y sigue siendo otra muestra de la irregularidad de Guillermo del Toro cuando afronta una superproducción fantástica. El Del Toro Autor, suponemos, se va discerniendo en Hollywood película a película en un muestrario de elecciones estéticas más o menos personalizadas. No es difícil darse cuenta de los gustos y caprichos del director a lo largo de su filmografía cuando hay una repetición constante de diseños de producción y atrezzo en cada una de sus trabajos para los grandes estudios (espejos distorsionados de sus mucho más valiosas pequeñas joyas en castellano). Pero más allá de su adicción al cartón piedra y su inconveniente y despersonalizada fotografía se deja entrever una imaginación fabulosa, con un gusto especialmente sensible para la creación de seres monstruosos y una tendencia a la fantasía sin complejos sólo comparable a la de un niño que cuenta historias imposibles que a él no le cuesta creer. Quizás el problema de su cine es que siempre camina por una delgada línea donde el espectador nunca acaba de encontrar el lugar preciso donde debe situarse. Esto es, Del Toro nunca deja de descuidar la credibilidad de su danza de criaturas y da por sentada la digestión automática de su visión, en una suerte de vale todo que oscila entre la ingenuidad y el capricho, que se antoja un pelín autocomplaciente al no asimilar la volubilidad de su narrativa. En Hellboy 2 la línea argumental toma distancias frente a las páginas impresas y opta por intercalar un drama que apela a la épica del Señor de Los Anillos(¿un detalle premonitorio de su elección como director de El Hobbit?)y que le sirve de McGuffin para desgranar todo el imaginario fantástico que le quedó en la recámara tras realizar El laberinto del Fauno. Lo cierto es que en su mayoría, casi todas las creaciones que aparecen en catálogo son deliciosas (siempre es de agradecer la presencia de un primord...digo elemental) y hacen de la cinta un festín para el aficionado, pero por el contrario los personajes de peso no son tan interesantes como el director pretende y si bien ya conocíamos a el anfibio Abe Sapiens o la flamígera (y ahora protoemo) Liz, sus motivaciones nunca llegan a epatar y parte del peso dramático de las principales bisagras de la trama carecen de un interés cercano a lo funcional. El villano de la función y su ejército tampoco son más que una excusa para mover la historia hacia adelante y es por ello que su clímax no posea más importancia que la de terminar de una forma pomposa lo que el espectador ya iba vaticinando. Otra conclusión tibia, tan poco estimulante como la de su Blade 2, que muestra sus carencias como guionista y que nos permite preguntarnos por que no se explota más a fondo la dualidad del destino final de Hellboy, aquí de nuevo solo apuntada levemente en pos de un facilón conflicto conyugal falto de garra y resuelto sin problemas dada su inane trascendencia para el espectador. Con todo, el personaje de Hellboy sigue funcionando y no por los forzados intentos de humanizar a los personajes que se perpetran sobre el papel, sino al carisma de un Ron Perlman más a gusto con su rol de macarra de buen corazón que lleva muy bien el peso de todo el largometraje, siendo éste alarmantemente aburrido cuando se le permite algo de cancha a otros personajes. El ejercito dorado corrige algún defecto de la primera entrega y resulta mucho más entretenida, pero nunca llega a dejar una huella palpable en la memoria al no atreverse a romper esos esquemas autoimpuestos que impiden a Guillermo del Toro mostrase como algo más que la eterna promesa del fantástico que empieza a dar algún signo de temprano marchitamiento.

noreply@blogger.com (Sir Jack Torrance) — Mon, 01 Sep 2008 15:04:00 +0000

LA TUMBA DE LIGEIA
(REVIEW)

La última película de Roger Corman en su ciclo dedicado al escritor Edgar Allan Poe se basa ligeramente en su relato Ligeia que trata muchas de sus obsesiones relacionadas con la vuelta de entre los muertos y la figura femenina como catalizador de la maldición y el destino. La historia original es ensanchada para crear todo un largometraje, como es habitual en el ciclo,siendo quizás la historia menos compacta de entre todas las obras de Corman dedicadas a Poe.Esto, unido al uso de escenarios menos suntuosos y coloridos,le han dado cierta mala fama entre cierto sector de la critica que la han visto como uno de los episodios menos prestigiosos del conjunto. Sin entrar en comparaciones, La Tumba de Ligeia es uno de los acercamientos más acertados al espíritu lóbrego y , sobre todo ,decadente de la obra del escritor. Es innegable que como película sufre un problema de ritmo muy acusado. La narración deslabazada y sus dificultades en desarrollar una trama sólida dejan la sensación de estar asistiendo a una novela por actos donde faltan partes.Pero lo cierto es que cada escena por separado tiene una fuerza especial que les dan cierta autonomía y en conjunto resultan ser una colección de secuencias que en su mayoría son un éxito.Resultan especialmente acertadas las excursiones de la protagonista femenina(con una interesante interpretación de Elisabeth Sepherd) por la casa.En primer lugar en el campanario y el ultimo acto cuando descubre el terrible secreto de su marido. También es reseñable la secuencia onírica ,tan desasosegante como bella plásticamente. Hay muchos puntos de continuidad con otras películas de la serie.Vincent Price (que declaró que esta es su favorita de la saga Poe)interpreta otra vez al protagonista, un Verden Obsesionado con la muerte de su esposa Ligeia y muy magullado por el miedo a su regreso.Un tema que recuerda bastante al apartado Morella de Historias de Terror que termina de forma similar.Sin embargo otros ticks s ehacen algo reiterativos con respecto a el resto de la serie, como representar lo maligno con un gato negro...Sin embargo los puntos que la alejan del grupo de películas resultan lo más interesante.La escenografía, aunque no tan vistosa, resulta muy reseñable.El emplazamiento de la acción en una abadía herrumbrosa y oscura le da un tono más decadente al conjunto y acompañan al tono enfermizo de lo que relata. La Tumba de Ligeia es una película irregular pero muy valiosa,El guión es poco dinámico ,en beneficio de una mayor fidelidad al estilo literario de Poe y resulta un festín para el que pueda o quiera disfrutar de una prosa más cercana al escritor que en otras piezas del ciclo Corman. A su vez posee una atmósfera oscura que el desarrollo visual y la fotografía convierten en una película idónea para redescubrir detalles en cada (necesario)revisionado.

noreply@blogger.com (Sir Jack Torrance) — Tue, 05 Aug 2008 18:30:00 +0000

LEMORA.UN CUENTO DE LO SOBRENATURAL

(REVIEW)

Coincidiendo con la época de regresión de la Hammer, los primeros años setenta no tienen demasiadas películas de transición con el estilo de la casa británica. Sin embargo, hubo una respuesta feroz a los planteamientos góticos de los que sus películas participaban. Una de las excepciones es ésta Lemora, una producción americana de reminiscencias oníricas ,con el vampirismo como telón de fondo. Quizás uno de los pocos nexos de unión entre dos grandes épocas del fantástico, la película es una pesadilla infantil que podría considerarse otra versión oscura de Alicia en el país de las maravillas.
Como un cuento de hadas macabro, el desarrollo narrativo de la película es ajeno a los personajes, proyectando en imágenes una inexistente voz de narrador en tercera persona. La cinta esta ambientada en los años veinte, pero la acción transcurre mayoritariamente en un poblado pequeño, alejado de cualquier referencia a el periodo histórico recreado. Esto imprime a la historia una atmósfera de relato arquetípico de cualidad atemporal. Alejada del realismo, sigue una estructura semianárquica, sin seguir una estructura puramente clásica. Un viaje sorprendente que funciona como relato de horror y fábula fantástica al mismo tiempo. La protagonista es una niña de 13 años que queda a merced de Lemora, una extravagante mujer que pretende convertirla en vampiro. Encerrada en una trampa de magia y tinieblas, la terrible odisea de la niña puede verse como un reflejo de la pérdida de la inocencia y del despertar sexual de el paso a la adolescencia. Esto provocó algún problema con la iglesia en el momento de su estreno. El marco conceptual tiene muchos puntos en común con el cuento de Caperucita roja y esto crea una línea directa hasta el film En compañía de Lobos(In Company of Wolves,1984)de Neil Jordan , la cuál también funciona como un cuento perverso, y tiene aspectos formales y estéticos deudores de esta Lemora. Como en un cuento de Angela Carter, la película es una narración sobre el paso de lo idílico y seguro hacia un mundo de pesadilla lleno de violencia, oscuridad, lujuria y muerte. La niña va abandonando el miedo hacia lo desconocido y finalmente no puede seguir luchando contra su naturaleza y la oscuridad que ella misma lleva dentro. A pesar de su bajo presupuesto, la película tiene una bella fotografía, en su mayor parte de tonalidades azuladas, muy deudora de la obra de Mario Bava. La imaginería surrealista y onírica esta al servicio de una puesta en escena preciosista con planos cuidados y de buen acabado. Las referencias a la condición de vampiro son sutiles y extrañas, dándoles una característica aura malévola ya perdida en los productos vampíricos de unos años antes. Los habitantes del bosque son una especie de hombres bestia salvajes a medio camino entre hombres lobo y Ghouls, y sus apariciones a veces resultan un poco exageradas, además, algunos de sus maquillajes tampoco resultan demasiado acertados. El carácter de culto ancestral de la pequeña comunidad de vampiros deja advertir influencias literarias como el Carmilla de Le Fanu o la obra de Lovecraft, tanto es así ,que la escena en la que la niña viaja en bus por el bosque es muy similar a cierto pasaje de La sombra sobre Insmouth.Una de las joyas perdidas del fantastico de los setenta convertida con toda justicia en película de culto.

noreply@blogger.com (Sir Jack Torrance) — Mon, 28 Jul 2008 14:53:00 +0000

DOOMSDAY:EL DÍA DEL JUICIO
(REVIEW)

En los albores de los ochenta el cine vivió una suerte de época dorada del subgénero postapocalíptico. Películas ambientadas en una distopía marcada por la reciente cultura punk-rock, el salvajismo y una acusada radicalización del Homo Homini Lupus. La mezcla entre tecnologías punta y falta de recursos necesarios para la supervivencia del hombre se daban la mano en películas donde el mundo era un lugar violento donde solo el más fuerte sobrevivía. De cada una de estas películas salían tres nuevas hijas bastardas que acompañaron de la mano a cintas como Mad Max, salvajes de la autopista (Mad Max, 1979) (y secuelas) o 1997: Rescate en Nueva York (Escape from New York, 1981). Neil Marshall, uno de los pocos cineastas modernos auténticamente enclavado en la Serie B pura, ha creado una carta de amor a ese espíritu perpetrando una suerte de remake estilizado, pasional y desvergonzado de esas películas que debieron marcar a fuego sus años mozos.

Doomsday no es otra cosa que un remix de los mejores momentos de los grandes mitos de esa ci-fi postapocalíptica. Un retal de clásicos básicos tejido con la tela de la nostalgia, con tanto cariño y cuidado que prácticamente cada plano de la película tiene alguna referencia explícita en su diseño de producción o vestuario. La intención de Marshall es cristalina. El hilo argumental de la cinta es tan pobre como trivial para el espectador. Sin embargo, hay una puesta en escena espectacular e hiperbólica para presentar ese sencillo menú de la mejor manera posible. Todos los movimientos de cámara están estilizados hasta el extremo. Los efectos especiales son espectaculares y la acción soberbiamente ejecutada. En su empeño por perseguir el hálito nostálgico de aquel cine tan tangible, Doomsday presenta una fisicidad perpetua, que evita los efectos generados por ordenador en pos de una violencia más realista. El problema de mezclar con tanta desfachatez tantos referentes cinematográficos es que la gracia no va más allá de la simple adoración. El guión es demasiado endeble como para aportar un mínimo de novedad al asunto. Es probable que alguien no familiarizado con el subgénero encuentre la película poco más que un festín irracional de acción y gore visceral. Y ahí radica la inutilidad de la propuesta. La amalgama de situaciones comunes es completamente heterogénea y tanto podemos estar viendo una cinta de John Carpenter para pasar de un salto a Conan el bárbaro (Conan The Barbarian, 1982), habiendo visitado a los Warriors (The Warriors, 1979) de Walter Hill a ritmo de 28 días después (28 Days Later, 2002). Y es que Marshall no es ningún Tarantino. Ni siquiera se asemeja un Robert Rodríguez. Su criatura deja un buen sabor de boca al aficionado pero deja a la luz su falta de ambición como autor. Y, si bien se dibuja una pasión encomiable por un tipo de cine que sin duda el director adora como espectador, no es difícil atisbar sus carencias artísticas en su proceso creativo. Con todo, Doomsday resulta una obra curiosa, ya que pese a utilizar técnicas de montaje modernas y dinámicas videocliperas, exhala un aroma a otro tipo de cine del que puebla las multisalas. Su celebración de la violencia revela un entretenimiento que no rehuye la brutalidad. El espíritu juvenil del relato lo entronca perfectamente con los comics británicos de la serie 2000 A. D., donde se podían seguir las aventuras de personajes como Juez Dredd o Strotium Dog con un tono hiperviolento y socarrón que seguro que llenó más de una tarde del joven Marshall. Entendido así, Doomsday es un resumen ejemplar de ese tipo de historietas, pero lleva como lastre una indecisión tonal que despista sobre las intenciones de la cinta. Esta se toma en ocasiones demasiado en serio a sí misma mientras que la locura que albergan sus fotogramas invitan al disfrute desprejuiciado y sin complejos de una película convertida en caricatura de otras, mejores o peores, pero mucho más auténticas. Una delicia o un intento fallido, pero suficiente para complacer al que no vaya buscando más que hora y media de diversión tan ligera como salvaje.

noreply@blogger.com (Sir Jack Torrance) — Mon, 30 Jun 2008 14:37:00 +0000

LOS CRONOCRÍMENES

(REVIEW)

La didáctica entusiasta de Doc ,el Mad doctor de la saga Regreso al futuro, proponía una lectura Pop de las paradojas espaciotemporales que pueden resultar de un sencillo viaje en el tiempo, adecuadas al lenguaje cinematográfico más asequible. ¿Qué consecuencias traería encontrarte a tu yo del futuro?¿Cuáles serían los resultados de cambiar cualquier pequeño detalle del pasado en los acontecimientos del mañana? Este tipo de cuestiones ,asimiladas ya por muchas películas de ciencia ficción, parecían haber llegado a un punto de no retorno.¿Realmente es necesaria otra película sobre viajes en el tiempo? Quizás no, pero por alguna razón Los Cronocrímenes no es una película que sobre dentro de este subgénero. Si de algo puede presumir el director Nacho Vigalondo es que ha logrado aportar nuevos desafíos dentro de un canon excesivamente sobado .
Los Cronocrímenes presupone muchos de los teoremas clásicos de la ciencia ficción sobre los viajes en el tiempo para ofrecer un acertijo que ya hemos visto alguna vez, sin caer nunca en la previsibilidad o el aburrimiento. Con el entusiasmo de quien ha diseñado un jeroglífico que funciona, Vigalondo expone las cuestiones que desarrollan la trama de forma nítida y funcional. Los problemas que surgen al realizar un viaje en el tiempo de forma deficiente, en el que se duplica al pasajero, son el motor argumental de la pesadilla de un hombre corriente forzado a lidiar con los acontecimientos que provoca un sencillo viaje hacia el pasado. Es ahí donde radica la fuerza de Los Cronocrímenes, ya que al mismo tiempo que el espectador va cuadrando los acontecimientos y movimientos en el tiempo, asiste sin saberlo a la transformación paulatina de un personaje que vive un drama en el que no entra de forma abrupta, sino con la naturalidad con la que un cántabro de vida normal podría afrontar la inevitable destrucción de el mundo que conoce. La austeridad económica de la cinta convierte su poco atractiva fotografía y sus limitadas localizaciones en una perfecta trampa para ratones donde la asfixia del personaje se hace más tangible. Vigalondo juega sus cartas de forma sabia y estructura la película en tres actos más o menos definidos en un juego donde tras repartir las cartas se vuelven a recoger para repartir el mismo mazo de forma diferente. El resultado es un puzzle de pocas piezas que encajan poco a poco sin un orden preestablecido. El guión ,muy bien pensado, siempre sorprende con un pequeño as en la manga siempre descubierto en el momento preciso. Sería difícil no valorar los méritos de la película sin aludir a su procedencia patria . Su espíritu universal no elude su condición de producto ibérico, pero lo cierto es que Los Cronocrímenes merece ser juzgada como la más que válida aportación de género que es. Quizás ,en su terreno, no es fácil encontrar una muestra tan fresca desde la brillante 12 monos, con la que guarda no pocas resemblanzas en su fondo. La dirección nos revela a un debutante sin ganas ni necesidad de demostrar nada a base de planos estéticamente rebuscados, encuadres sorprendentes o una búsqueda del sello autoral a cualquier precio. La película nos descubre a un director con voluntad de narrador eficaz, con las ideas claras de cómo llevar a buen término los complejos acontecimientos del relato sin dejar de lado su naturaleza lúdica. Quizás nada funcionaría sin la magnífica actuación de un Karra Elejalde que parece haber captado a la perfección el espíritu costumbrista del director de Choque y que limita su vis cómica a un cinismo crepuscular cercano al prototipo de antihéroe tan común en el cine de Alex de la Iglesia. Podrían buscarse imperfecciones en la película, a la que tal vez le falte algún toque de inspiración a la hora de convertir situaciones funcionales en momentos geniales, pero con descubrimientos de alto voltaje iconográfico como esa momia de vendas rosas, eso sería ya para subir nota. Bravo.

noreply@blogger.com (Sir Jack Torrance) — Wed, 25 Jun 2008 17:38:00 +0000

CRITTERS-"LUCES EN AL OSCURIDAD"

Por fin sale a la venta el disco de CRITTERS "Luces en la oscuridad" Critters es una banda de punkpop nacida en Salamanca en 2003, cuando los miembros de Psycho Loosers (Jorge, Paty y Pablo) deciden formar otro grupo paralelo, en el que desplegar el “lado más femenino” de los Psycho. Así, surge “Critters”, una nueva versión, más estrogenada pero igualmente freak, de los Psycho Loosers. La diferencia entre ambas bandas es que, en Critters, la voz principal pasa a ser la de Paty, que a la vez se encarga de añadir las letras a las Músicas punkpoperas creadas por jorge y pablo. Las influencias de la banda van desde los Ramones a las Ronettes, de los Rezillos a Banana erectors, de Green day a The Muffs, de los Queers a Screeching weasel, de Los Nikis a Depressing claim... dando lugar a unos temas puramente pop, en los que se mezclan la dulzura de un fressy suisse y la acidez de un cubo de bilis, degustados en la oscuridad de un cementerio bajo la luna. Hoy día, Critters ya no siguen en activo, pero Jorge y Pablo siguen adelante con el proyecto “Psycho loosers” (http://www.myspace.com/psycholoosers).

El disco de Critters “Luces en la oscuridad” está a la venta desde Junio de 2008 y en él, podrás encontrar un sub-mundo construido a base de tumbas profanadas, tartas de cereza, látigos y fustas, asesinos a sueldo, cabarets, mafias chinas, platillos volantes y mucho más... El disco perfecto para las “Chicas raras” y los Muertos Vivientes... Para conseguir nuestro disco o contactarnos, puedes escribirnos a: critterspoppunk@hotmail.com escuchad 2 adelantos en el siguiente myspace:

http://www.myspace.com/critterspunkpop

noreply@blogger.com (Sir Jack Torrance) — Tue, 03 Jun 2008 10:39:00 +0000

LA NIEBLA

(REVIEW)

Después de su muy apreciable The Majestic, Frank Darabont vuelve a dirigir, volviendo en esta ocasión a recuperar una de las historias “no tan populares” de Sthephen King.La novela corta en la que se basa “La niebla” era una pequeña historia de monstruos donde el escritor daba rienda suelta a sus obsesiones más recalcitrantes.Con este material base, Darabont ha construido una película modélica, casi perfecta en cada uno de sus apartados y una de esas adaptaciones que superan el material de base del escritor de Maine.
Las claves del éxito de The Mist radican en su radical alejamiento de los hábitos que ha ido adquiriendo el cine comercial de las últimas dos décadas, especialmente el de terror, sin renunciar a ofrecer un espectáculo vibrante de primera clase. Por un momento, parece que Darabont renuncia a su narrativa clásica y su sentido de la maravilla en cada encuadre. Quizás es la fotografía, con un sentido de urgencia y realismo que despista a los seguidores de su obraprimeriza, pero rápidamente las virtudes como narrador del director se materializan y podemos disfrutar de su dibujo de línea clara, su naturalidad expositiva y su provocadora sencillez a la hora de dejar a sus personajes que se muevan por la historia. The Mist es una sucesión de escenas sin artificios, ni vueltas de tuerca innecesarias, tan sólo una muestra de cine clásico, del que puede sorprender sin recurrir a recursos que distraigan del aparentemente fácil tema central.Por ello es fácil acusar a la película de simplista, de no ver en ella más allá de la ejemplar Monster movie que es. La virtud más destacable del conjunto es la forma en la que el guión afronta el tratamiento de los personajes, sin centrarse en un héroe concreto.Pese a las simpatías que nos despierta el grupo principal y su cabecilla David Drayton, las reacciones de los personajes estás subyugadas a una idea central que Darabont utiliza para mover el relato: el poder del miedo sobre las voluntades de el ser humano, la fragilidad de la capacidad de razonamiento, de las dificultades para llegar a acuerdo cuando las pequeñas diferencias se magnifican, de la incapacidad de reacción ante lo que no nos es familiar. Un punto de partida tan sencillo como poco utilizado en el cine de terror, que en esta ocasión, como raramente sucede en el fantástico americano, genera una película humilde pero con una fuerza normalmente inédita en las pantallas. Es por esto que esta The Mist podría considerarse un remake de La noche de los muertos vivientes, la película fundadora del cine de terror moderno, en la que únicamente se sustituyen los muertos vivientes por criaturas Lovecraftianas. Hay una línea directa entre el cine de George Romero y esta película .Las relaciones y reacciones de los personajes llevan exactamente al mismo lugar y ,lo que es más importante, nadie acaba teniendo razón. Las decisiones de los protagonistas no son tan acertadas, si no más bien exactamente lo contrario. Llevándonos a una conclusión tan desoladora como la de el clásico de 1968, que viene a decirnos que la opción más lógica no siempre es la correcta. La grandeza de The Mist es la valentía que demuestra al presentar las situaciones de conflicto. En las que es bastante obvia una solución inmediata. Pero lo que se pone de relieve no es el buscar un punto en común ni ofrecer un voto de confianza a los demás, si no convencerlos de lo que a uno le parece lo correcto. El orgullo, las pequeñas rencillas...cualquier excusa es buena para quitar la razón, para no hacer caso y crear un punto de división ...Son sutiles referencias a esa facilidad para la disputa de cualquier grupo de personas ante un elemento común de presión que acaba llevando a la creación de distintos grupos dentro de un microcosmos como puede ser un país entero o un supermercado acosado por criaturas interdimensionales.Lo que empieza como pequeñas disputas se magnifica hasta llegar al punto de la locura y el horror, más temible que el de los propios monstruos.Otro punto en común de Darabont con su admirado George Romero. Pero la película no solo funciona gracias a las reacciones de los personajes.Sorprendentemente, es una película de Terror muy dura, no hay ni un solo momento durante sus cortas dos horas de metraje para rebajar la tensión con alguna nota de humor.El tono es el de un drama de horror puro en el que ningún personaje consigue las simpatías de un director que no nos pone ninguna venda para ver el daño que causan unos monstruos, que pese a su mejorable factura técnica, llegan a aterrar en cada una de sus apariciones. Y es que no sólo The Mist es la mejor película de horror de los ultimos 10 años, si no que se une al club de las pocas cintas que han sabido llevar el universo Lovecraft al cine de forma memorable. Sin ser una adaptación confesa de ninguno de sus relatos, La Niebla propone una invasión de seres de otras dimensiones desconocidas, que aterran, causan locura y llevan al suicidio. Las imágenes finales, con un Maine desolado ,completamente postapocalíptico e invadido por esas criaturas, que marchan por la tierra como si fuera su propio planeta son el resumen perfecto del imaginario Lovecraftiano, con esa llegada de primordiales que nunca llega a suceder pero siempre temen sus personajes. The Mist es de esas películas que tal vez no se aprecian en su momento y toman fuerza con el paso del tiempo, pero sin duda estamos ante una de los fantásticos más importantes que han llegado a una pantalla de cine en los últimos años.

noreply@blogger.com (Sir Jack Torrance) — Sun, 27 Apr 2008 16:13:00 +0000

THE LAST WINTER

(REVIEW)

Wendigo(2001)(aquí titulada escalofrío) era una pequeña pelicula de Larry Fesseden que jugaba con el mito indio del demonio del viento. Una personificación del llamado atávico que los bosques profundos y la naturaleza más salvaje provoca en los hombres y un mito que habla de la bestia en la que se puede convertir un ser humano cuando hace caso de dicho llamado.La literatura había tratado este ser en el relato “El wendigo” de Algernon Blackwood, publicado en españa en la antología Los Mitos de Cthulhu y Fesseden tomó partes de la leyenda original para contar una pequeña historia de horror con el espíritu de los bosques de fondo. Con The Last Winter el actor y director retoma su leyenda favorita para personificar en el espíritu del wendigo el conflicto eterno de la naturaleza contra el hombre y la posibilidad de que el final del reinado del homínido sobre la tierra esté más cerca de lo que parece.
La historia se sitúa en el norte de Alaska y en el asentamiento de un grupo de investigadores encargados de estudiar el terreno y hacer la avaluación de impacto de una zona que podría contener un yacimiento. La situación de aislamiento y el entorno helado rápidamente nos llevan al terreno del John Carpenter de La Cosa(The Thing,1982) .La narrativa sobria, el alejamiento espectador-personaje y la atmósfera ciertamente están heredados de aquella obra maestra del horror, pero las coincidencias con ésta acaban ahí mismo, ya que las intenciones de Fesseden no son la de crear un película de terror al uso. The Last Winter transcurre de forma pausada, los acontecimientos con peso son escasos y se desarrollan lentamente a lo largo del minutaje. Poco a poco se va desarrollando una atmósfera de opresión y claustrofobia alrededor de unos personajes enfrentados de forma muy sutil y cuyas motivaciones chocan con el misterio de lo incomprensible. El temor a lo desconocido y su plasmación en fotogramas resulta una muy interesante aproximación a ciertos axiomas Lovecraftianos(Como en La cosa,se podría asociar esta historia con la novela En las montañas de la locura)No solo La visión del Wendigo provoca un temor que acaba desquiciando a los protagonistas, sino que se transmite muy bien la vulnerabilidad del hombre frente al cosmos(aunque en este caso se trate del desconocimiento del poder de la tierra). El gran logro de Larry Fesseden es lograr que desde los primeros minutos se pueda oler el destino final de los protagonistas, que durante sus intentos de adaptarse a las dificultades y situaciones extremas que el argumento va dibujando, el espectador pueda sentir la futilidad de sus actos, lo inútil de sus esfuerzos frente a un final implacable que sin embargo llega de forma imperceptible. Pese a tener momentos escalofriantes, The Last Winter es un relato más cercano al drama ,un acercamiento distinto al cine de género que usa las imágenes con fines más reflexivos. Su trasfondo ecológico no es moralista si no fatalista. El uso de la naturaleza como motor de un cambio irreversible en el camino de la civilización tiene un carácter escalofriante más que aleccionador. En muchos aspectos la película recuerda mucho a La ultima Ola(The Last Wave,1977) y su acercamiento al fantástico de temática ecológica a través de la superstición , compartiendo con ésta su deprimente visión sobre lo irremediable. No parece coincidencia que los acercamientos al fantástico de Peter Weir se asemejen bastante a la personal postura de Fesseden con respecto al género. La mayor virtud del film es su ambigüedad frente al elemento sobrenatural. Los científicos son afectados por el espíritu de la tierra y les hace comportarse de manera extraña. Las teorías científicas sobre la liberación de gas amargo por el deshielo de la capa de permafrost son las razones puramente racionales que podrían explicar el súbito cambio de comportamiento de los miembros del equipo. Sin embargo la intuición de que hay otra cosa, algo desconocido que ha salido de la tierra es una posibilidad más palpable para algunos de los más escépticos miembros de la base. El uso de las huellas como posible presencia de el Wendigo o para mostrar la desaparición de un miembro del equipo son referencias comunes a películas como La noche del demonio(Night of the demon,1957)y como Torneur, aquí el terror es más una presencia posible que un peligro que acosa a los personajes encerrados. Pero en The Last Winter lo que realmente se nos narra es el principio de el fin,lo que viven estos personajes no tiene tanta importancia frente a la verdadera consecuencia final, que no es sino el propio fin de la era humana. Un discurso muy parecido a la próxima The Happening(2008) de M.night Shyamalan ,donde es la tierra la que responde con un mecanismo de autoinmunidad inultentando eliminar al hombre de forma que éste con su tecnología no pueda defenderse ,como forma de buscar un equilibrio. Con un presupuesto muy pobre, este ultimo invierno es un interesante y necesario acercamiento al fantástico ecológico que arroja algo de inteligencia al género del horror, muy falto de este tipo de propuestas en estos días de caos,que es donde deberían reflejarse.

noreply@blogger.com (Sir Jack Torrance) — Thu, 24 Apr 2008 10:44:00 +0000

SPOOKIES

(REVIEW)

Autentico delirio ochentero dirigido por hasta 3 directores diferentes que resulta ser una joya de la psicotronía chusca de la década del blandiblub.Podría calificarse como joya del cine extravagante, pero no es precisamente un viaje de diversión desprejuiciada.El guión es tan poco coherente que resulta hasta difícil seguir el hilo de una trama tan sencilla como falta de originalidad. Una pena que su ritmo sea tan criminal ,ya que lo tiene todo para llegar a ser una pieza de culto del cine trash. La trama sigue caminos completamente arbitrarios y la narración está al servicio de las espectaculares e incontables apariciones de todo tipo de criaturas: monstruos pringosos, seres tentaculares, mujeres que mutan en arañas, magos malvados ,demonios, muertos vivientes....todo presentado con sabroso latex ,sangre ocasional pero generosa y mucho pringue. La banda sonora se basa en sintetizadores que acompañan a la paleta de colores azulados y oscuros, a la niebla y las lápidas... creando esa irrepetible atmósfera solo encontrable en películas, que como esta, infectaban los videoclubs de la recién estrenada “era VHS”.
La trama de jóvenes encerrados en una mansión para ser cazados uno a uno por todo tipo de criaturas, a cada cual más bizarra e inesperada, está entrelazada con una subtrama en la que un mago quiere hacer resucitar a su amor verdadero y para ello tiene que tomar las almas de esos pimpollos que nunca sabemos por que acaban allí exactamente. Lo divertido es que la historia en el ultimo tercio acaba siguiendo a la joven resucitada y su intento de huir de el señor que le devolvió a la vida contra su voluntad. Su huida de los muertos vivientes es tan ridícula como estimulante a nivel visual. El nivel de delirio iniciado con la absurda inclusión de un niño perdido en su día de cumpleaños( para posteriormente ser enterrado vivo) tiene una alarmante continuidad en las sucesivas apariciones de una especie de sátiro o sirviente demoníaco, que se pasa todo el metraje apareciendo de vez en cuando sin ninguna función concreta más que la solaz del espectador aturdido. La posesión de una de las jóvenes para convertirse en una especie de médium ,que (supuestamente)invoca a los “spookies” para capturar a los incautos personajes, tampoco deja indiferente.

La impresión final es que la película fue rodada sin un guión previo, con un montón de presupuesto para crear efectos especiales y pocas ideas de que hacer exactamente con ellos. El resultado es una melé de intenciones sin rumbo, un ejercicio de amor a el propio acto de crear sin saber hacerlo, que dedica sus esfuerzos a fotocopiar los momentos, dejes y maneras de un tipo de cine hecho en una época concreta .Permanecen todas las manías que conlleva hacer ese esfuerzo sin tener una idea sólida con la que poder empezar. Spookies es el resumen de fondo de catálogo de una revista Fangoria en la década de los ochenta, cuando el maquillaje y el gore ,el encanto del fotograma ,ya era lo único que contaba . Como si uno de los peores monster mash de la decadencia de la universal se tratara, el culto a la figura del monstruo era ya más importante que la historia o el texto. Un festín de idiotez lisérgica e incompetencia fílmica con risas aseguradas que al mismo tiempo fascina con sus imágenes grandgiñolescas y groseras. Spookies es un producto único e irrepetible, lo que no quiere decir que su visión sea fácil. Todo un viaje.

noreply@blogger.com (Sir Jack Torrance) — Sun, 20 Apr 2008 17:34:00 +0000

LAS RUINAS

(REVIEW)

Basada en una novela Scott smith,La ruinas viene firmada por el mismo escritor de el creador del material base de la película Un plan sencillo. Algo extraño leyendo el argumento de la cinta que nos ocupa, con una tipiquísima estructura de jóvenes turistas acorralados y masacrados por un peligro desconocido. Lejos de huir de la fórmula, Las ruinas sigue casi paso por paso el manual de las películas de género en las que el grupo de chicos y chicas se ven asediados y masacrados en un escenario inhóspito y alejado de la seguridad y las normas de sus civilizados hogares occidentales. No ofrece por tanto ninguna novedad en el discurso de recientes éxitos de torture horror como Hostel, turistas o Wolfcreek. Sin embargo el factor determinante es la presencia de un terror ancestral en forma de hiedras carnívoras, no psicópatas cabreados con la civilización desarrollada con ganas de desmembrar. El mensaje viene a plantear las mismas cuestiones con respecto a la presencia de Norteamérica en los lugares donde no les corresponde, el hombre acomodado rompiendo reglas sagradas y la explotación de la ignorancia geográfica y cultural del adolescente caucásico de buena familia tipo. Las Ruinas peca de una ingenuidad excesiva en el desarrollo de su planteamiento, presentación de personajes y el desarrollo de la historia. Todo está rodado con cierto entusiasmo por el debutante Carton Smith haciendo que la inevitable introducción de la situación no se haga demasiado tediosa u en exceso anodina. Pero al final, lo cierto es que la película no llega a dar un tratamiento completamente novedoso al manido tema, quedándose en un intento loable de ofrecer nuevas perspectivas. Así los guapos jovencitos no son para nada perfectos y su atractivo siempre esta fotografiado de una forma que les muestra vulnerables. Los cuerpos son tersos y atractivos pero nos son mostrados con un ojo mas bien perverso que se recrea en la volatilidad de lo bello. Así, no son baladí las secuencias que muestran a los chicos antes de salir, después de un idílico día de sol playa y alcohol, mostrando sus cuerpos sin glamour o los efectos de una resaca cualquiera con cierto recreo en las imágenes. Esta tónica de contraste progresivo es constante en la película y conforme pasa el metraje el grado de locura va incrementándose llegando a extremos que rayan lo enfermizo.
Una vez se establece la situación central de la película, Los turistas atrapados en unas ruinas mayas acosados por plantas carnívoras, podríamos esperar la típica monster movie donde desaparecen uno por uno. Lo curioso de la situación es que los protagonistas están sitiados por lugareños que no les permiten bajar de la pirámide por miedo a la propagación de la planta, por tanto no tienen escapatoria de las hiedras y su espera es doblemente tensa. Esto crea una cierta inconsistencia argumental que no pasa fácilmente desapercibida .Dada la movilidad y poder de las plantas, uno se pregunta por que no se los come a todos directamente desde el principio. Pero olvidando lo que podría ser y no es, En las ruinas la atracción principal acaban siendo los efectos de las plantas en la anatomía humana y como reaccionan estos ante ellos. Imágenes perturbadoras, con dejes cronembergianos y puntuales momentos de gore clínico y salvaje que van sucediéndose conforme las relaciones entre los personajes se endurecen y se va creando una insana atmósfera de decadencia. La historia podría ser una variación extendida de la historieta “la balsa” de Stephen King ( el primero de los capítulos de Creepshow 2) y tiene muchos puntos en común con la opera prima de Eli Roth Cabin Fever.Lo cierto es que es una correcta cinta de terror que logra incomodar sin recurrir a los sustos manidos de otras monster movies. La mayoría del horror sucede a plena luz del día y sin golpes de sonido bruscos o movimientos de cámara mareantes. El miedo es a tiempo real y no hay elipsis cuando uno de los personajes sufre. En el fondo, no es si no un reflejo de la corriente de cine tortura aún vigente pese a tener la presentación de cine con criatura. Pese a todo,sin ofrecer nada original ,Las Ruinas es una excelente muestra de género con alguna que otra imagen sorprendente que mantiene un pulso narrativo suficientemente atractivo como para dejarla escapar.

noreply@blogger.com (Sir Jack Torrance) — Fri, 28 Mar 2008 16:56:00 +0000

MI NOVIA ES UNA ZOMBIE

TOP TEN + 1 ZOMBIE PIN-UPS!!!

Hoy una actualización especial.Dada la falta de estrenos con gancho de las ultimas semanas(no me niego a ver fotocopias de peliculas japonesas que hemos visto hace 2 años!).Os propongo mi lista de las que son sin duda alguna las Muertas vivientes con más glamour de la historia del cine.Se supone que deben darnos miedo pero su imagen nos cautiva y su belleza nos hacen pensar en la cancion de Vegetales "Mi novia es una zombie".Podeis ver el top ten de estas bellezas putrefactas y una mencion especial.

10.Rain Ocampo-Residen Evil (2002).

Michelle Rodriguez emulando a la sargento Vasques de Aliens.Marines duras,latinas y con mucho morbo.Lastima que no sean infalibles.Ocampo es mordida y se transforma en una criatura mucho más bella y letal!Sin duda lo mejor de la película.

9.Muerta Viviente desnuda-Night of the living dead(1968)

Un clasico.su aparición es fugaz.No le llegamos a ver la cara y por primera vez en al historia del cine una mujer desnuda no nos pareció tan apetecible.Una automata cuya carga erótica es anulada por un sentimiento de horror y pena solo comparable a la que nos produce La novia de frankestein(por que noes tecnicamente una zombie,es ..la novia de frankestein).Pese a su breve aparición su imagen es un icono del cine zombie y merece entrar en este ranking.

8.Mrs. Leitner-Day of the dead(2008).

Hiper podrida,llena de pustulas y baba verde.Ojos azul claro y melena negra.Una zombie neumática interpretada por la scream queen de nueva cuña Krishta Cambell.Una zombie de la familia de los atletas en uno de los remakes más desvergonzados de la neuva hornada.Al emnosSteve Miner nose lo toma demasiado en serio y logra divertir,solo si olvidas que la palabra Romero existe durante 85 minutos.

7.Luda-Dawn of the dead (2004).

La zombie embarazada con mas mala ostia que usted pueda adquirir en su centro comercial.Antes de transformarse es muy guapa, belleza rusa con semblante sereno que al infectarse da a luz a un bebe zombie y da muerdos al aire con mas peligro que la niña del exorcista.Mucho más guapa aún.Su novio es un señor de mal vivir que pretende mantener su familia zombie a toda costa

6.Kyôko, Reina zombie-Junk(2000)

Una vieja factoria infectada de meurtos vivientes.Un proyecto del ejercito que sale mál.Los zombies de Fulci resucitan en Japón con el maquillaje de zombi(1978) y Kyoko resulta ser su lider.Una zombie saltarina y que hace Kung fu!.Una belleza oriental que no podía faltar para añadir la nota exótica a nuestra apestosa galería.

5.Zombie Rubia-Dawn of the dead(1978)

Otra aparición fugaz.El pobre Roger es atacado en el estrecho espacio de la cabina de un gran trailer.Esta zombie rubia es el prototipo de belleza setentera, con su melena rubia y con tejanos.Lastima que su cara pronto sea destrozada por Peter,siempre arreglando los desaguisados del cada vez más ido swat rubiales.Hacian buena pareja.

4.Chantal-El espanto Surge de la Tumba(1973)

Un poco de erotismo castizo.No en esta película la Cantudo no enseñaba el felpudo,(eso en una de Grau, el director de No profanar el sueño de los muertos).Pero a mi me gusta más en esta peliculita de Carlos Aured ,con esos ojos en blanco,prima hermana de los muertos de pánico en el transiberiano(como molaban los zombies hispanos coño!).Mucho más atractiva así a nuestro parecer.Y acojonaba ,joder!

3.Numero Nueve-La tierra de los muertos vivientes(2005)

!Que manera de agarrar el Bate!.¿Quien no se puede enamorar de una muerta que va razonando poco a poco para utilizar un bate o una ametralladora?Esa ingenuidad tan propia del zombie romeriano,ese cutis amarillento,esa mejilla inexistente,ese concurso de camisetas mojadas al salir del río de Pitthsburg.La segunda en comando de Big daddy le roba planos a la divina Slack.Y es que ¿quien no prefiere una cita con una chica como esta?

2.Chica Vampiro-Plan nine from outer space(1959)

¿Muerta viviente o vampiro?.No sabemos por que las incoherencias argumentales de la obra maestra de Ed Wood no dejan claro si los extraterrestres convierten alos muertos en ghouls ,vampiros o que.El caso es que Vampira está como nunca.No sabemos cuan descompuesta estaría pero tiene muy buen aspecto.desde luego lo que no era ni emdio normal era esa cintura menor que la de una avispa.

1.Julie Walker-Return of the living dead 3(1993)

El merecidisimo primer puesto es para Mindy Clarke en la tercera parte de la saga inciciada en el 85 por Dan O Bannon.Brian Yuzna en su mejor momento nos trajo la majestuosa aparición de esta diosa splatter punk.Un Look a lo Cenobita que convertiría en heterosexual al mismisimo Clive Barker.Imperdibles ,cristales y cadenas contra el hambre de carne humana que produce morir por Trioxina.La zombie ideal.Una autentica Bomba sexual podrida!

MENCION ESPECIAL:

Karen -Night of the living dead(1968)

Una niña que se come a sus padres no podría faltar en esta galería.No solo es el mayor icono del cine de muertos vivientes.La pequeña Karen Cooper nos enseñó que los muerdos de un zombie te matan y te hacen resucitar.El axioma sagrado que tantas veces ah sido utilizado.Con ella me despido.Si alguien tiene alguna idea de chica zombie puede aportar su colaboración!

noreply@blogger.com (Sir Jack Torrance) — Thu, 21 Feb 2008 10:55:00 +0000

SWEENEY TODD

(REVIEW)

Tim Burton.Tim...Burton.Si Tim Burton.¿verdad que con solo oir ese nombre, uno ya lo asocia incoscientemente a una película que resulta innegablemente diferente, atractiva, oscura...unas sílabas cuya dicción generan una inmediata sensación de genialidad. Cuando uno ve una película de Tim Burton con el objeto de afrontar su nueva obra con un ojo crítico, siente que su opinión nada podrá aportar a la masa de aficionados a sus anteriores maravillas. Es como intentar escribir una vez más que es un director “sobrevalorado” sin caer en la posición rancia del alumno listillo de la clase, del renegado que intenta convencer al mundo de que todos están equivocados. En definitiva, de parecer el entendidillo a contracorriente, incomprendido y inequívocamente frustrado por que los pimpollos veneran al maestro Burton y el no comulga con esa iglesia de la cienciologia siniestroide. Ni siquiera reconocen,Oh!..no reconocen..ni un punto débil al señor de lo oscuro. Ni siquiera saben ,mientras planchan su camiseta de pesadilla antes de navidad, mientras se ponen su bolso de pesadilla antes de navidad, mientras dicen adiós a su muñeco de tamaño real de jack skeleton de su dormitorio, que el ni dirigió, ni guionizó Pesadilla antes de navidad.El amargado infeliz está solo ante la evidencia de su propio carácter agrio y antisocial. Dicho esto digamos ahora con la boca ancha y los pulmones hinchados que Sweeney todd es una pésima película solo apta para enfermos terminales de este creativo de disney que aun no ha aprendido ha hacer un plano contra plano o dirigir más de 20 minutos seguidos sin hacer perder el interés en mil puntos de fuga.
Desde Ed wood parece que el bueno de Tim no ha encontrado un ayudante de dirección que le diga como dirigir un película haciendo los énfasis dramáticos en los lugares apropiados, sin hacer decaer su ritmo en cada bobina. Y es que Sweeney todd es un autentico tostón. Lo peor de todo es que la cinta lo tiene todo para ser una genialidad del cine de horror adulto. Un diseño de producción apabullante(no es difícil con los 55 millones que han gastado),referencias desde Bava, la Hammer(ese color de la sangre!),los clásicos proscritos de la Universal ... la mala leche del musical original...en definitiva : todo. Pero no...Burton prefiere hacer de uno de sus musicales favoritos un curioso compendio de sus vicios más característicos, sus obsesiones más trilladas...su discurso hueco que sin duda hará las delicias de todas las góticas de cerebro predispuesto a ese discurso. Es decir, una colección de planos por que sí, secuencias aquí y allá perfectas para que Hottopic haga el agosto con pañales talla xl para Emos con padres separados. Si uno obvia la innegable inutilidad de los actores principales para meterse en los papeles requeridos, tardará poco en darse cuenta de lo bochornoso que resulta escuchar un musical con semejantes “tenores”.Johnny-no-soy-capaz-de-no poner-caritas-ni haciendo-de-malvado-Deep es incapaz de darle un mínimo de solidez a su voz, que resuella versos sin potencia, ni gracia ,ni poder. No se queda atrás la mujercita del director, que sí, que está muy mona en su octava reinterpretación de la novia de frankstein de Brannagh, pero resulta casi lastimoso verla intentar llegar a los tonos de las piezas del musical. Mejor no hablar del anodino e inane pretendiente de johanna...por favor, no me hagan rememorar sus espectaculares saltos a escena. No estaría mal que entre algún miembro del casting alguien supiera cantar ,por que para ser un musical ,aquí lo único que canta son los efectos por ordenador del 80% de la película. La falta de equilibrio y dirección de las últimas películas de Burton hacen preguntarse como engendros como este optan a premios, reciben críticas sobresalientes y hacen que el “mito” siga en pie. Tim Burton no es un director. Es un esteta, un amago de autor con un innegable lenguaje artístico y unos axiomas plásticos reconocibles pero que ni siquiera él a inventado. No hay nada malo en ello, pero cuando pasan 15 minutos de una de sus películas el fastuoso diseño de producción, la fotografía preciosista y los “gags” macabros han sido más que asimilados y digeridos por el espectador con un coeficiente intelectual mayor que el de paquirrin. Después uno queda absorto ante la danza de el tedio y el aburrimiento. No sólo vale el aspecto y las referencias para hacer avanzar un relato. Ni siquiera el gore de Grand gignol, ni los a veces ingeniosos ripios de las canciones originales pueden vencer la descompensación entre escenas cantadas y habladas ,ni tampoco la alarmante arbitrariedad estructural, ese “me salto por los cojones” el concepto de acto que hace avanzar un relato con interés.En resumidas cuentas, otra pieza de culto del director mainstream más venerado por los que necesitan su pequeña racioncita de oscuridad, pasto de nescientes que nunca conocerán Operazione Paura o El más allá, que nunca se han parado a degustar una cinta de Terence Fisher. Vamos, que un Bodrio.

noreply@blogger.com (Sir Jack Torrance) — Mon, 11 Feb 2008 18:01:00 +0000

30 DIAS DE OSCURIDAD

(REVIEW)

Las adaptaciones de comic a la pantalla grande son el último bastión de un hollywood falto de ideas que con desesperación lanza recreaciones de otras películas, videojuegos, series y hasta juguetes. Uno de los comics con más popularidad en los últimos años fue 30 días de noche, cuya estética fue elevada a los altares y su guionista Steve Niles se convertiría en el nuevo mesías de las historias tenebrosas en el medio de la viñeta. Lo cierto es que la novela gráfica parte una idea interesantísima (un pueblo de alaska en el durante un mes entero no sale el sol es atacado por vampiros) pero no resulta nada más que una lectura curiosa. Gran parte de su popularidad la debe a los dibujos de templesmith que a la propia historia en si. Niles es, digámoslo claro, un mediocrísimo guionista de horror y tiende a acercar su estilo al guión de los comics mainstream de fácil consumo más que a los de sólidas novelas gráficas o al comic independiente. El comic de 30 días de noche tiene subtramas innecesarias, humor simplón y personajes sin peso que desvían la trama de lo que realmente interesa al lector. La película de David Slade puede jactarse de haber solucionado muchos de los problemas de la novela, mejorado sus puntos fuertes , manteniendo los elementos que la hacen interesante. Lamentablemente eso, por si solo, no basta y no logra conseguir un producto sólido desde el punto de vista argumental. Su guión no logra explotar los lugares muy trillados de este tipo de películas y no logra aportar nada excepcional, nada que no hayamos visto antes. Esto no la convierte en una mala película puesto que importa más el como se cuenta que lo que realmente relata, pero resulta evidente una desorientación con el material de base, un sonambulismo narrativo que no sabe que hacer con sus personajes en el segundo acto y que decepciona al ver como una idea que tiene todo para ser grande, se queda en una pequeña anécdota, un producto a medio hacer, una agradable cinta de serie B que teniendo todo para convertirse en un clásico desperdicia la oportunidad olvidándose de lo más importante en una película : el ritmo, los personajes . Sin embargo si se deja notar una voluntad importante por hacer algo diferente y los creadores tienen la conciencia de estar haciendo algo especial. Las primeras escenas que explican como el pueblo esta siendo acechado son muy sólidas, y prometen un espectáculo de categoría A. Conforme la trama va avanzando se enreda en un lugar de donde no consigue que los personajes lleguen a importarnos. Parte de la culpa es el tono de frialdad de el relato, la distancia con respecto a la historia, la falta de equlibrio de las escenas que lleva a preguntarnos cual es el motor de la historia. Y es que una cinta de supervivencia, de personajes encerrados frente a un peligro exterior...ha de procurar mantener el interés en algún punto. Este problema, sin embargo, no logra invalidar los otros puntos fuertes de la cinta. La fotografía es poco menos que espectacular e invita a posteriores revisionados de la película para disfrutar de el preciosismo de sus imágenes. Desde los apabullantes planos de el pueblo, con un diseño de producción delicioso, todas y cada una de las apariciones de los vampiros(pese a alguna sobreactuación cercana al ridículo...) hasta la tenebrosa plasticidad del uso de sangre. 30 días de oscuridad, con sus problemas, no es una mala película y resulta muy disfrutable para cualquier fan del fantástico o el horror. Su estilo relativamente clásico denota que el mejor Carpenter , el de la cosa, es uno de sus máximos referentes y hay muchos momentos que resucitan el estilo del mejor director del fantástico que ha existido, lo cual no es decir poco. Además el director David Slade es respetuoso con el espectador y no incluye ningún momento estúpido o deudor del cine para adolescentes. Los personajes son personas normales, y logra reflejar bien las idiosincrasias de las gentes de un pueblo como Barlow. Lo malo es que el guionista, aunque ha conseguido sacar un libreto digno de un comic muy ligero, no logra traspasar la barrera que separa a una película con una idea clara de la que surge sin un propósito más que el de recrear el espíritu de unas viñetas en celuloide. Por el camino, Vampiros, violencia, una de las mejores interpretaciones de Josh Harnett, una puesta en escena rotunda y una belleza en sus imágenes que la convierten en un producto notable.

noreply@blogger.com (Sir Jack Torrance) — Mon, 11 Feb 2008 17:27:00 +0000

MONSTRUOSO

(REVIEW)

Precedida de una gran campaña de marketing vía internet sólo comparable al de Serpientes en el avión o El proyecto de la bruja de Blair, Cloverfield llegó a nuestras pantallas con el ridículo título de Monstruoso. Rodada cámara en mano como la reciente REC, nos propone una aventura a lo kaigu eiga que bebe más de los atentados terroristas del 11-S que de las cintas del entrañable godzilla. Cloverfield no logra sobrevivir a su propio Hype pero es una propuesta interesantísima, muy lograda en el aspecto técnico y un must see para cualquier estudioso de la ciencia ficción. No es una mala película ,pero si es cierto que ,como la mayoría de “mockumentaries” es sólo válida como experiencia cinematográfica inmediata, que dudosamente logre soportar más de un par de visionados y que en ocasiones, resulta tediosa y falta de interés. Cloverfield es la película de siempre contada de otra forma, y si bien funciona perfectamente como lo que es, no logra crear una obra sólida de principio a fin. Los minutos iniciales, con la presentación de personajes, y situaciones emplea quizás demasiado tiempo sin que el espectador reciba ninguna información vital. Si es cierto que esta introducción ayuda a que los acontecimientos que suceden sean más impactantes, que suframos junto a ellos las consecuencias de un ataque de alqaed..digo de un monstruo ignoto sobre manhattan. El caos, el pánico, la desorientación de catástrofe son retratadas con un realismo escalofriante, y las imágenes de horror dejan al espectador con mal cuerpo. Conforme pasan los minutos la película se dedica a mostrar más los efectos de una catástrofe que en desarrollar la típica cinta de monstruos y se centra en las reacciones de un grupo de personajes (unos jóvenes algo pijorros y de buena familia)y vivimos su odisea junto a ellos. Recuerda más a la aventura del poseidón u otras películas de catástrofes de los setenta que a las cintas de monstruos o insectos gigantes de la era de la paranoia de los cincuenta, pero en cierta forma es una mixtura de ambos géneros que sale victoriosa gracias a su planteamiento. Hay varios momentos en Cloverfield que dejan al descubierto incoherencias dentro de su propuesta, ya que, como en toda cinta rodada en cámara al hombro, siempre hay momentos que incitan a cuestionar la labor de los guionistas. Situaciones inverosímiles que en realidad no llegan realmente a molestar y proporcionan espectáculo que es de lo que se trata. Cloverfield abre nuevas vías para el uso de los efectos digitales por ordenador y logra, mediante ingeniosos planos secuencia, dar un cariz épico a muchos de sus planos, llegando a convertirse , sin exagerar, en lo que es la visión más espectacular hasta la fecha de lo que puede ser un fenómeno de carácter preapocalíptico. Uno de sus puntos débiles es la inclusión de unos parásitos crustáceos del monstruo que son lo menos realista del conjunto, especialmente cuando los personajes se encargan de despacharlos. Pero ,con todo, la cinta no deja indiferente y aunque haya quien se empeñe en resistirse a entrar en su juego, lo cierto es que sus imágenes impactan y son un prodigio de puesta en escena y planificación. La manera en que funcionan sus, a veces, larguísimos planos secuencia dan una idea del detallado trabajo que hay detrás. Por otra parte, el director Matt Reeves demuestra que no se anda con chiquitas y no trata a sus personajes con benevolencia, recordándonos constantemente que lo que vemos es real, que no valen las reglas cinematográficas más típicas y que en una catastrofe así cualquiera puede morir. Cloverfield deja una coda bastante deprimente, nihilista y poco complaciente, dejando abiertas todas las preguntas y atacando a la curiosidad del espectador que está tan desorientado como los propios personajes. Cloverfield no es un hito de la ciencia ficción, y aunque su propuesta es magnífica, en ocasiones resulta tediosa, cuando no mareante, pero en el fondo resulta más que refrescante siendo una obra , sin duda, imprescindible.

noreply@blogger.com (Sir Jack Torrance) — Fri, 11 Jan 2008 17:21:00 +0000

SEÑORES, MEENSE EN LOS PANTALONES:
DIARY OF THE DEAD TRAILER
Desde mondo puto queremos decir a viva voz,que quien piense que Romero no sigue siendo el rey de lso muertos es un pobre inútil aspirante a pegamocos.Aqui teneis el impactante trailer de la ultima maravilla de Romero.Una especie en extinción, un bocado de delicatessen demasiado sabroso como para que aquellos que piensen que 28 semanas después es mejor que La tierra de los muertos vivientes se den cuenta de donde está el talento.Con ustedes,el trailer de El diario de los muertos.

http://www.movieweb.com/news/48/25648.php

noreply@blogger.com (Sir Jack Torrance) — Thu, 20 Dec 2007 10:45:00 +0000

SOY LEYENDA

(REVIEW)

Antes de empezar, unas palabras preliminares para quien opine que la película que nos ocupa no es una buena adaptación de la novela de Richard Matheson. No saben de lo que están hablando. “Pierde el sentido del Soy leyenda de la novela” podrán argumentar algunos,y en efecto ,en ese sentido la película no opta por colocar a Neville como una leyenda para los vampiros. Pero es que en ésta película señores, esa posibilidad no existe, por el hecho de que en la novela era una bidisección de el mito del Vampiro como monstruo legendario y como punto culminante de ésta, el humano termina siendo el monstruo,la leyenda que los vampiros han creado. La premisa de la película ,adaptada a los tiempos que corren, deja poco espacio para esa posibilidad, no obstante aquí Neville sigue siendo el monstruo al fin y al cabo. Pero la fidelidad a la novela no se basa en la repetición del argumento o la recreación de pasajes clásicos del material original(como la primera versión The last man on Earth)ni en la reiteración de Neville como monstruo para los vampiros(Motor principal de The Omega man)si no en la esencia misma del relato: El día a día de Neville, y los efectos de la soledad sobre la mente humana. En este aspecto Soy leyenda no solo recoge a la perfección los sentimientos de Neville si no que los recrea de forma emotiva, única y de forma fideligna al material originario.

Soy leyenda adapta también el guión de la segunda versión con Charlton Heston, pero su estructura es bastante similar a la de la novela. Así, el tercer acto, muy poco espectacular y sin mucha fuerza, es en el fondo, parecido al del libro( a su manera) acabando de forma un poco abrupta y dejando sin duda con ganas de más. Pero en conjunto, hay una película más que notable. En ningún momento la cinta se deja sentir como un Blockbuster, sino una historia pequeña e íntima, pues salvo contadas escenas de acción, los efectos están puestos al servicio de la historia o el escenario, la música es poco hiperbólica, más bien minimalista, triste y usada en momentos puntuales. Una pena que el diseño y acabado de las criaturas, totalmente creadas por un pobretón CGI, no estén a la altura de un presupuesto tan elevado. Quitando esos problemas, la película es un relato postapocalíptico que algunos querrán ver como una copia de 28 días después pero que esconde dentro un poso de tristeza y deseperanza como pocas cintas del fantástico han tenido nunca.

Quien espere una cinta de acción quedará muy decepcionado, pues en su lugar hay espacios vacíos e imágenes melancólicas, sin apenas lineas de guión, que muestran un mundo sin seres humanos como jamás una película había mostrado antes. Eso, señores es al menos digno de reseñarse. Will Smith hace, sin duda, su mejor interpretación hasta la fecha, mostrando solo con gestos todo el dolor y nihilismo que Matheson describía con palabras, siendo muy significativas ,por escoger solo un momento, sus reacciones al relacionarse con los supervivientes : un ejemplo de fidelidad a ciertos pasajes de la novela. También es un acierto el uso de los flashbacks explicando como Neville pierde a su familia, pues si bien la forma de hacerlo no es como el libro ,si existían los pasajes de recuerdo y aquí ,como aquel, ayudan a comprender la importancia de su familia y su dolor por la pérdida a causa de la pandemia.

Soy leyenda es casi un película independiente disfrazada de superproducción. Está rodada sin énfasis ni alardes en la mayoría de metraje y salvo algún que otro susto gratuito mantiene un tono de película intima muy poco común en la cinematografía fantástica actual. Con todo ,tiene sus partes malas, algunas de la clase “lo que pudo ser y no fue” como el desaprovechamiento de las localizaciones y escenarios para algunos momentos de acción, suspense o tensión .Otros, se engloban en lo que “debería haber sido y no fue” como esa inexplicable elección de zombies hechos por ordenador. Finalmente, los grandes fallos que son, ese flojo clímax con un guión algo mesiánico y fuera de lugar... y una , en general, descafeinada conclusión. Pese a ello, lo cierto es que no es una desdeñable adaptación del material original y es, sin duda, una rara avis dentro de lo que suele ofrecer la factoría de hollywood en estos últimos años.